Las obsesiones de Dave Stevens

28 octubre 2010 at 22:00 (Cine, Cine de Aventuras, Comics, Erotismo, Ficcion-Fantástico, Ilustración) (, , , )

Mientras Dave Stevens entintaba las tiras de aquel Tarzán salido de los lápices de Russ Manning, allá por el año 1975, su cabeza daba vueltas a un argumento que quería dibujar él mismo, y en el que pretendía reflejar varios motivos principales que le obsesionaban un poco: Los propulsores y los cohetes con los que en ocasiones había jugado de niño, las acciones heroicas y los héroes de los años 30 y 40 y una fascinación sin igual por las mujeres.

A esos ingredientes base que Dave organizaba en su cabeza, añadió como aderezo la gran pasión que tenía por toda aquella estética que rodeaba a la Norteamérica previa a la Segunda Guerra Mundial.  Así es como se construyó la idea del cómic The Rocketeer en la mente de Dave Stevens, dibujante californiano autodidacta nacido en 1955.

Tras unos años dedicados a la animación y al cine, participando entre otras obras en la elaboración de los storyboards de “En Busca del Arca Perdida“, por fin su coctel mental vería la luz.

La primera aparición de The Rocketeer sería en Febrero de 1982 en el primer número de la revista  Starslayer, publicada por Pacific Comics, aunque solo era una historia de una página, ya que fue publicada como un “fill-in” de otra historia, refiriéndose este término inglés a las historia cortas que se solían usar como relleno durante los años 80 y 90 en los cómics y en las que artistas desconocidos -o no tanto- daban a conocer su trabajo mediante historias propias o bajo guiones de la compañía.

Los capítulos siguientes de The Rocketeer aportarían a Stevens una enorme reputación y haría resurgir también un gran interés por una modelo pin-up de los años 50, la exuberante y curvilínea Bettie Page, ya que Dave eligió su figura para representar a la heroína de su historia: Betty, compañera de su protagonista y héroe Cliff Secord.

 

Se considera a Dave Stevens como uno de los talentos menos prolíficos en la historia de los cómics.  Sus amigos bromeaban con él respecto a esta lentitud en dibujar, pero es que Stevens era tan obsesivamente meticuloso que para dibujar una escena dedicaba días al estudio y a sus bocetos y dibujos, repitiéndolos una y otra vez, hasta conseguir un panel. Incluso entonces, cuando lo consideraba acabado, no estaba satisfecho con su trabajo.

Las chicas que conseguía Dave Stevens tenían algo más, tenían textura. Parecía que podías llegar a la página y tomar un puñado de su carne. Sin duda esto era debido al obsesivo perfeccionismo que Dave buscaba en sus creaciones.

La emergente reputación de Stevens, así como el lenguaje fresco y divertido que utilizaba en The Rocketeer,   llegaron como parte de los primeros brotes del nuevo movimiento del cómic independiente iniciado por Pacific Comics o Eclipse Enterprises y tuvo un impacto inmediato entre los aficionados al cómic del mundo entero.

The Rocketeer se publicó de forma irregular y muy lentamente antes de ser reconocida como una de las novelas gráficas más vendidas en el sistema  de venta al por menor. Sin duda la mirada nostálgica a los años 30, la aventura de la aviación y la sensación de profundidad conseguida por la meticulosa tinta de Stevens, hizo saltar los escaparates de las tiendas.  Esta admirable profundidad no pasaría desapercibida para la industria y Dave fue empleado en gran medida como un artista de portadas en los primeros títulos de Pacific Comics tales como Alien Worlds.

Posteriormente, demostraría en otros títulos  su don natural para la elaboración de mujeres atractivas.

Además de en The Rocketeer podemos destacar sus ilustraciones para diferentes publicaciones y personajes como Luke Skywalker, Boba Fett, Han Solo, la princesa Leia, Catwoman, Superman, Capitán Marvel, Shazam!, Madman, Vampirella, Elvira, Doc Savage, Spiderman, The Shadow, Sheena y muchas otras.

Cuando Disney recogió la idea de The Rocketeer y la convirtió en una película en 1991, bastante fiel al encanto de la idea original, probablemente Dave Stevens se convirtió en el primero de los modernos dibujantes de cómic, que trabajarían con Hollywood siendo dueño de los derechos de sus obras. Este camino lo seguirían posteriormente otros renombrados artistas como Mike Mignola, Mike Richardson, Dan Clowes y otros.

El maestro Dave Stevens murió demasiado pronto y demasiado joven, a la edad de 52 años.  Aunque hubiéramos deseado más, nos dejó sus magníficas  obsesiones de legado.

Para conocer más en profundidad su vida y obra podéis visitar la muy interesante página de Dave Stevens.

El artículo dedicado a él en la Wikipedia está repleto de interesantes referencias así como el dedicado a su obra The Rocketeer.

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El deber y no pagar.

4 febrero 2010 at 22:00 (Cine, Cine de Aventuras, Cine Histórico, Comics, Drama, Fotos, Historia, Literatura, Música, Novela, Pintura)

El cosaco en su brioso corcel
Va a la estepa siempre al trote,
Que del mundo es un azote, zote, zote, zote, zote,
Porque nunca va al cuartel
Y si fiero es en la guerra al vencer,
Al volver es más terrible,
Porque trae un hambre horrible
Y de genio está imposible
Y su encanto es el deber.
El deber, el deber, el deber y no pagar.
Cosacos de Kazán que sobre caballo van sin temor y sin desmayo.
Cosacos de Kazán que en la guerra son un rayo y en la paz un huracán.
¿Dónde irán? ¿Al asalto del caballo?
¿Dónde irán? ¿Cómo y cuándo volverán?
Volverán, que no les parta un rayo.
Volverán mediado el mes de mayo.
Volverán con más plumas que un gallo,
Los cosacos de Kazán

Esta canción de la zarzuela Katiuska de Pablo Sorozábal retrata muchos de los tópicos que sobre el pueblo cosaco, y sus guerreros, llenaron mi cabeza en la niñez, Miguel Strogoff de Julio VerneTaras Bulba de Nikolái Gógol hicieron el resto.

Aunque el correo del zar se las veía contra los tártaros y el rudo Taras Bulba con los polacos, sus periplos por las frías estepas del imperio, les conducirían por inhóspitos lugares que fueron conquistados y colonizados en su día por otros insignes cosacos, esta vez reales y no de ficción. Conquistadores y colonizadores de Siberia, estos temibles guerreros mantuvieron a raya a los tártaros, a los chinos, a los polacos, a los franceses e incluso al propio pueblo ruso.

Desde Hollywood se proyectó una imagen heroica y romántica del mundo de los cosacos.

Entre los primeros films que trataron la temática cosaca destaca el producido en 1928 por la Metro Goldwyn Mayer, The Cossacks. Película muda basada en la obra homónima de Lev Nikoláyevich Tolstói, escrita en 1863. Fue dirigida por George Hill y protagonizada por el galán John Gilbert. Mostraba la vida en un pueblo cosaco y sus escarceos bélicos con los tártaros. También reflejaba una sociedad eminentemente machista donde los cosacos se dedicaban a guerrear mientras las mujeres trabajaban el campo. La escena final no podía ser más explícita respecto a esto. La mujer se aferraba a los brazos del valiente cosaco en su caballo, después de haber sido rescatada y le decía: “Lukashka, te amo… Lukashka, trabajaré para ti… Lukashka, yo seré tu esposa devota… Dios es todopoderoso”.


También es muy destacable la adaptación de Taras Bulba que realizó J. Lee Thompson en 1962. Protagonizada por Yul Brynner y por Tony Curtis, retrataba la vida guerrera del cosaco inmortalizado por Nikolái Gógol y algunas de sus más fuertes convicciones: la lealtad y el honor.

De lo que no cabe duda es que estas visiones, muy entretenidas pero algo edulcoradas, de las duras condiciones de vida del pueblo ruso y del carácter endurecido de la raza cosaca,  tenían una base real. Los gobiernos de la madre Rusia, vieron en los cosacos los guerreros ideales y formaron cuerpos de caballería de élite que serían temidos dentro y fuera del imperio zarista.

De ellos llegó a decir Napoleón Bonaparte: “En lo que se refiere a los Cosacos,  honestamente hay que reconocer que fueron ellos los que garantizaron a Rusia el éxito en esta campaña. Los Cosacos son las mejores tropas militares de todas las existentes. Si yo los hubiera tenido en mi ejercito,  podría haber llegado a conquistar el mundo entero.”

El carácter indomable de estos curtidos guerreros fue bien aprovechado por los zares, y  aparte de poner en jaque al ejército francés o al que se pusiera por delante, fueron  utilizados para reprimir al pueblo en los momentos de mayor pobreza. Cuando las ideas revolucionarias empezaban a asomar en las mentes de los campesinos hambrientos o en las de los obreros descontentos, en las perdidas estepas o en las grandes ciudades y anillos industriales.

En muchas ocasiones los zares consideraban que un régimen de terror era más fácil de administrar y utilizaron a las tropas cosacas para la represión y la persecución de todo aquel que levantara voces discordantes contra el estado monárquico zarista o contra los que simplemente no eran de su gusto, como en las persecuciones étnicas o los pogromos contra los judíos rusos.

El último zar de la dinastía Romanov, Nicolas II, utilizó las unidades cosacas sin miramientos para la represión del pueblo. Recordemos el domingo sangriento del 22 de enero de 1905, en San Petersburgo, cuando la muchedumbre llegó a las inmediaciones del Palacio de Invierno donde las tropas de cosacos, convocadas por el ministro del interior, príncipe Sviatpolsk Mirski, dispararon a matar y atacaron con una carga de caballería produciendo una cifra estimada de 92 muertos.

Se puede ver una representación de esta escena en la película de 1965 dirigida por  David Lean: Doctor Zhivago, protagonizada por Omar Sharif y por la bella Julie Christie.

La revolución de Octubre acabaría con la dinastía de los Romanov, con su asesinato y desaparición. Pero en el confín del imperio, más allá del lago Baikal, donde acaba el ferrocarril Transiberiano y comienza el Transmanchuriano, muchos cosacos se unieron a los ejércitos blancos liderados por el  Almirante Kolchak. Otros creyeron en las ideas revolucionarias y combatieron en el lado bolchevique.

En esta etapa del convulso siglo XX, durante la revolución rusa, muchos cosacos se aferrarían a la idea de combatir con los Blancos para conseguir fundar un estado independiente cosaco que podría desplegarse en tierras de Mongolia y a caballo entre Rusia, China y el Tibet.

En este escenario, en esta lejana guerra, surgirían personajes variopintos con delirios de grandeza que han pasado a la historia como héroes iluminados, como antihéroes viciosos y depravados, como salvajes guerreros a mayor gloria del pueblo cosaco, aunque muchos de ellos son aún denostados por muchos de sus propios compatriotas rusos.

Entre estos guerreros malditos, podemos destacar a Grigory Mikhaylovich Semyonov, o Semenov, atamán cosaco que puso en jaque a las tropas bolcheviques en Manchuria, con un ejército formado por cosacos y voluntarios checoslovacos y apoyado por el ejército imperial japonés.

Descrito como un bandido que paseaba con su tren blindado por la línea Transmanchuriana en busca de riquezas, cometió con sus tropas muchas acciones violentas de pillaje hasta que fue expulsado de territorio ruso en 1921.

Sería capturado en 1945 por paracaidistas soviéticos y condenado por el tribunal supremo de la URSS a morir en la horca. Se dice que sus verdugos le odiaban tanto que utilizaron métodos no permitidos para prolongar su agonía.

Aunque no tan cosaco como Semenov, pero luchando en sus filas, el barón Roman Ungern von Sternberg despierta cierta fascinación dentro del  conflicto blanco del Transbaikal.

Este personaje podría ser considerado como un monárquico iluminado que creía ser la reencarnación de Gengis Kan.

Al igual que el atamán Semenov combatiría contra los bolcheviques con la idea de fundar un imperio asiático poderoso donde vivieran en armonía los cosacos, mongoles, chinos y tibetanos.

El Barón Sangriento acabó también siendo capturado por el ejército rojo y ejecutado frente a un pelotón de fusilamiento.

La idea de formar un imperio donde los cosacos pudieran practicar sus tradiciones sin ser molestados, inclinó a muchos de ellos a colaborar con los invasores alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, formando unidades cosacas integradas en la Wehrmach.

Curiosamente se dieron casos de enfrentamientos entre tropas cosacas combatientes con los alemanes y cosacos integrados dentro del ejército rojo.

La fascinación que despierta el mundo de los cosacos, su aguerrido carácter, no podía dejar de reflejarse en el cómic.

Así podemos encontrar referencias claras en la muy recomendable obra Klezmer de Joann Sfar, donde se retrata a un grupo de marginados, judíos y cosacos incluidos, que viven al ritmo de la música klezmer por las tierras rusas.

También en Ring Circus, con guión de David Chauvel y dibujo de Cyril Pedrosa, podemos encontrar referencias claras a los cosacos, mostrados aquí como defensores y haciendo alguna matanza de campesinos, reconvertidos en bandidos.

Una obra reciente, publicada en edición integral por la editorial Glénat, es Noche en Blanco, donde nos paseamos por la gélida Rusia post-revolucionaria, por las tierras heladas controladas por el movimiento blanco y por las tropas cosacas del atamán Semyonov, por las fiestas anti revolucionarias de Vladivostock y por las aventuras de un oficial del ejército del zar junto a sus amigos cosacos.

El guionista Yann y el dibujante Neuray relatan veinte años en la vida de un militar fiel a los Romanov que ha de enfrentarse al derrumbe de su mundo con la llegada de la revolución.

Si alguien se ha fascinado con las leyendas de Ungern Kahn o del atamán Semyonov, ese fue el incansable viajero Hugo Pratt. Su magnífico personaje Corto Maltés, se encontrará con estos salvajes cosacos en el título Corto Maltés en Siberia.

Aquí Pratt se documentó entre otras fuentes con el relato de Ferdinand Antoni Ossendowski (1876-1945), titulado “A través del país de las bestias, los hombres y los dioses”, para retratar al barón Ungern o al general Semenov.

En las siguientes viñetas, podemos comprobar las personalidades con las que Hugo Pratt empapa a estos personajes históricos y al ambiente que les rodeaba en esa época plena de aventuras y peligros.

Para finalizar algunos enlaces interesantes acerca del mundo cosaco que profundizan mucho más en su historia:

Muy completo este artículo de la Wikipedia,  en castellano, sobre los Cosacos.

Otro artículo, también de la misma fuente, sobre La Historia de los Cosacos.

La red cosaca, página rusa dedicada a los cosacos, en cuatro idiomas.

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Las razones de Cleopatra Jones…

22 diciembre 2009 at 22:00 (Cine, Cine de Aventuras, Comedia, Erotismo, Ilustración, Música, Moda)

Ninguna de las actrices que protagonizaron las típicas películas de Exploitation de los años 70, tienen una estrella en el paseo de la fama de Hollywood, pero en aquellos años, cuando estaba de moda la psicodelia y el LSD, alcanzaron una popularidad impresionante enseñando al personal una arrogancia en femenino digna de James Bondrepartiendo estopa, taconazos de plataforma y artes marciales para combatir a los chicos y chicas malos de la ciudad.

El clima cultural de la década de 1970 produciría una ingente cantidad de películas de género Exploitation muy variado, desde las que explotaban el sexo, las drogas, la violencia y el mundo de las bandas callejeras y el del rock, hasta las  agrupadas bajo el término blaxploitation.  Películas como Shaft, Superfly, Badaaaass Sweet Sweetback’s Song, Cleopatra Jones, Coffy, Foxy Brown, The Mack, Blácula o Blackenstein, no pueden separarse de la época en que fueron hechas.  Estas películas nos mostraban una impresionante galería de extravagantes proxenetas, peligrosos traficantes, putas a mansalva, policías corruptos, vestimentas  coloridas en ocasiones espeluznantes, drogas y escenas de sexo y violencia.

Las partituras clásicas de las blaxploitation también crearon un estilo propio y particular, con músicos como Curtis Mayfield, Willie Hutch, Isaac Hayes o James Brown trabajando para las bandas sonoras de estas películas que rezumaban nacionalismo afroamericano.

Uno de los personajes femeninos más auténticos de este género fue el de Cleopatra Jones, encarnado por la modelo Tamara DobsonTamara es menos conocida que Pam Grier, rescatada por Quentin Tarantino para protagonizar su Jackie Brown (1997), pero destacaba por su físico espectacular.  Nada menos que 1.88 m de estatura y unas medidas de 96-66-99. Para el Libro Guiness de los Records Tamara Dobson fue la mujer más alta que haya protagonizado una película.

La carrera de Tamara se inició como modelo en Nueva York hasta que le surgió la oportunidad de trabajar en el cine, donde debutó con un breve papel en Come Back, Charleston Blue (1972), un film de gangsters blaxploitation, secuela de la anterior  Cotton comes to Harlem (1970).

La popularidad le llegó al año siguiente con el personaje protagonista de Cleopatra Jones, una típica película de serie B con una muy modesta producción y que resultó un gran éxito ese año.

Las películas blaxploitation fueron acusadas como sexistas durante su lanzamiento inicial, y no cabe duda que el desfile interminable de perras y chulos con vistosos maquillajes y con campanas de elefante multicolor echaban más leña al fuego.  Sin embargo, en este género, las negras dejaban de ser las esclavas tiernas o las mujeres dominadas y que acababan mal para ser las que dominaban.

La agente especial Cleopatra Jones representaba a la psicodelia funk negra y logró aunar en su personaje la capacidad tecnológica de James Bond, la destreza física de Bruce Lee introduciendo el kung fu en sus películas y la moda excesivamente cantosa  de los travestis neoyorkinos, por no mencionar además una fuerza, autodeterminación e independencia que ninguna figura femenina había tenido antes en el cine.

Cleopatra Jones fue la primera heroína de acción negra, sensual y atractiva, pero su despliegue físico tenía poco de verosímil. Fue precisamente esa superficial extravagancia lo que la destacó frente a otros héroes del género.

Cleopatra Jones tuvo una secuela titulada Cleopatra Jones y el Casino de Oro (1975), donde la protagonista, interpretada de nuevo por la inacabable Tamara Dobson, viajaba a Hong Kong para enfrentarse a una red de tráfico de heroína dirigida por la malvada Dama del Dragón, dueña del más importante casino de Macao, interpretada por Stella Stevens.

La agente no destacará precisamente por su discreción, ni en los actos ni en la vestimenta. Capas y capuchas, creaciones metálicas, pieles y plástico, mucho colorido  a veces chirriante, enmarcaría esta secuela repleta de acción y algo más creíble que su antecesora.

Tamara Dobson y su personaje Cleopatra Jones, crearían un estilo de mujer que sigue enganchando a muchas actrices, cantantes  y modelos aún después de su muerte ocurrida en 2006. Halle Berry, Macy Gray y Naomy Campbell, entre otras, han lucido el estilo de Cleopatra Jones en el siglo XXI.

Filmografía de Tamara Dobson.

PELÍCULAS.

Amazons (1984) con Stella Stevens y Jack Scalia
Chained Heat (1983) con Stella Stevens, Linda Blair, y Sybil Danning
Murder at the World Series (1977)  con Lynda Day George y Hugh O’Brian
Norman… Is That You? (1976) con Redd Foxx y Pearl Bailey
Cleopatra Jones and the Casino of Gold (1975) con Stella Stevens y Norman Fell
Cleopatra Jones (1973) con Bernie Casey, Shelley Winters, Antonio Fargas, y Bill McKinney
Come Back, Charleston Blue (1972) con Godfrey Cambridge
Fuzz (1972) con Burt Reynolds y Raquel Welch

TELEVISIÓN

Jason of Star Command, 1979-1981 SERIE DE TV.  Tamara Dobson interpretaba a Samantha durante los 12 episodios de 1980-1981.

Buck Rogers in the 25th Century, episodio Happy Birthday, Buck, de Enero de 1980.

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El camino del guerrero…

18 julio 2009 at 22:00 (Cine, Cine de Aventuras, Cine Histórico, Drama, Historia, Ilustración)

El camino del guerrero o Bushido, era una doctrina de pensamiento y comportamiento que originó la leyenda que rodea a los guerreros samuráis.  El modelo ideal del samurai, estaba basado en siete principios fundamentales: la justicia, el valor, la compasión, la cortesía, la sinceridad, la lealtad y el honor.

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Se piensa que estos valores se inculcaron en los samuráis en una época tardía, a principios del siglo XVII y eran compartidos con el cultivo de una preparación física y entrenamiento militar en el que se valoraban la agilidad y la flexibilidad por encima de la fuerza bruta.

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La preparación mental era muy importante  y se tenían muy en cuenta los principios de concentración (haragei), y de energía centrada y atenta (ki) ya que con ellos se conseguía ser un buen guerrero. Además era imprescindible conseguir la paz interior para alcanzar en el momento de la lucha un estado casi místico (munen), sin ningún pensamiento que pudiera estorbar la concentración en la lucha.

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A pesar de que el bushido se incorpora oficialmente a la vida de los samuráis en el siglo XVII, la primera mención a estos guerreros y su denominación ya aparece en el período Heian que va desde el siglo VIII al siglo XII.

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El significado de la palabra samurai es “en servicio”.  Esta fuerza militar se convirtió en la principal herramienta para que los diferentes mandos locales afianzaran y mantuvieran su poder sobre el resto de la población, de forma que establecieron una serie de señoríos feudales.

Estos mandos locales se convirtieron en señores de la guerra con un ejército particular “a su servicio” de samuráis.

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Con la conversión de estos señores de la guerra en shogun, y bajo el mando de uno de estos dictadores militares, con el título de seiitai shogun (comandante en jefe para la destrucción de los bárbaros),  Yasutoki del clan de los Minamoto, definió en 1224 un marco próximo al futuro Bushido, que definiría la conducta de estos guerreros y su entorno y que se basaba en cuatro aspectos fundamentalesCompromiso de servidumbre militar hacia el señor feudal a fin de proteger a sus campesinos, búsqueda y vigilancia de la lealtad propia y del resto de los vasallos al señor,  el respeto de los hijos a los padres y la obligación de la esposa de seguir al marido.

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Con las invasiones de los Mongoles al mando de Kubilay Kan, rechazadas por los samuráis en varias batallas y con la ayuda del viento divino (kamikaze) que asoló la flota invasora , los samuráis tomaron conciencia de su superioridad y se convirtieron en factor decisivo a tener en cuenta para conseguir el poder.

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Tras la larga paz que el clan Tokugawa impuso en Japón a partir del siglo XVI, y después de 300 años de feudalismo férreo, la moral del código samurai llegaría intacta hasta el siglo XIX en el que se contabilizaban en Japón más de un millón de samurais.

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La revolución ideológica introducida por el nuevo emperador Meiji a partir de su ascenso al poder en 1868, desposeyó a los venerados guerreros profesionales de sus centenarios privilegios y se destituyó a numerosos terratenientes demoliendo incluso sus castillos (más de mil castillos fueron destruidos).

La llamada revolución Meiji, dejó miles de samuráis desocupados, por lo que empezaron a acumularse guerreros sin señor o ronin en las ciudades y muchos de ellos emigrarían hacia las islas más septentrionales buscando reconvertirse en agricultores.

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En 1876 se promulgó la prohibición de llevar espada a cualquier ciudadano que no fuera miembro del ejército.

Esto provocó el desbordamiento de la ira de los samuráis que se revelaron y causaron algunos reveses al ejército imperial hasta que el 24 de Septiembre de 1877, un ejército de 30.000 hombres aplastó a las fuerzas samurai de Saigo Takamori, de 400 hombres, en la montaña Shiroyama.

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Expertos espadachines, también era famoso su dominio del arco, un arco largo recubierto con bambú.  Los mejores arqueros eran capaces de acertar con sus flechas a un blanco situado a una distancia de 132 metros, y anualmente lo demostraban en un festival competitivo del que salían los mejores arqueros.

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Estos guerreros serán conocidos por el arte relacionado en la fabricación de sus espadas, tanto de las espadas largas o de campo (nodachi) como por las espadas cortas de cuerpo a cuerpo (wakizashi), de forma que verdaderos artesanos en la forja, realizarían espadas memorables por su calidad insuperable, más cortantes que el acero y con una elasticidad que permitía que no se quebrasen con los golpes recibidos (recordemos la importancia de las katanas y su fabricante Hattori Hanzo, en las películas de Quentin Tarantino:   Kill Bill Volumen 1 y Kill Bill Volumen 2).

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Muchas son las películas en las que la figura del samurai tiene presencia y protagonismo en la trama, generalmente dramática.  El cine japonés principalmente ha definido y analizado una y otra vez a este tipo de guerrero y a su código de comportamiento en diferentes películas y ha representado su estatus y devenir a través de las diferentes épocas de la historia del Imperio del Sol naciente.

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En ocasiones, el samurai no tiene el completo protagonismo del film, y aparece mezclado o enfrentado con guerreros ninjas que a veces comparten con los feudales guerreros, ideología, entrenamiento y armamentos.

Hay multitud de películas con Samuráis protagonizando la trama, pero he seleccionado 7 en honor de una de las más bellas y conseguidas obras de arte del maestro Kurosawa.

Los siete Samuráis. (Akira Kurosawa, 1954)

Esta obra maestra en blanco y negro narra como un grupo de samuráis se va formando, contratado por unos campesinos para que les protejan de unos saqueadores que periódicamente les roban las cosechas.

Para este film Kurosawa se inspiró en la tragedia clásica griega Los siete contra Tebas de Esquilo. Para la concepción cinematográfica del film se baso más en uno de los maestros americanos que más admiraba: John Ford.

Posteriormente este film de Kurosawa serviría de inspiración para el famoso western de 1960: Los siete magníficos de John Sturges, aunque su influencia se extiende también a películas de géneros tan dispares como la ciencia ficción y las artes marciales.

Kagemusha, la sombra del guerrero. (Akira Kurosawa, 1980)

En esta película Kurosawa reconstruye la bátalla de Nagashino (1575) a través de la historia de un pobre ladrón que se ve obligado a asumir la identidad de un gran señor de la guerra. Esta batalla marcó el triunfo del clan de los Tokugawa, que asumirían el papel de shogun y asegurarían la paz en Japón durante varios siglos.

Ran.  (Akira Kurosawa, 1985).

Basada en la tragedia de Shakespeare, El rey Lear, se ambienta en los siglos XVI y XVII y representa la caida del clan de los Ichimonji.

En una entrada anterior se hace un estudio más profundo de este bello film de KurosawaRAN.

Gohatto Tabú. Nagisa Oshima, 1999)

Es una película con menos acción y más psicología, como le gusta facturar a Nagisa Oshima.  En este caso, se ambienta en una escuela de samuráis y se profundiza en las complejas relaciones interpersonales entre los aprendices de guerreros.

La obra se adentra en el tema de la homosexualidad entre los samuráis.

Tasogare Seibei (El ocaso del samurai, Yôji Yamada, 2003).

Esta es una desmitificadora visión del samurai al mostrar a uno de estos guerreros que ha tenido que vender su espada para pagar el entierro de su mujer y que trabaja de burócrata.

Todo en la película presagia el declive de los valores tradicionales de los guerreros en el siglo XIX.

El último samurai. (Edward Zwick, 2003).

En la película interpretada por Tom Cruise y Ken Watanabe, de recrea de forma libre la historia del último caudillo samurai, Saigo Takamori, y su trágico y heroico final en 1877.

Zatoichi. (Takeshi Kitano, 2003).

Ambientada en el siglo XIX, el héroe de esta historia es la figura legendaria de Zatoichi, un masajista ciego cuya espada es más rápida que la vista de los demás.

Zatoichi es el centro de un relato en torno al cual se desarrolla la típica intriga de bandas rivales, una historia de venganzas personales a cargo de dos geishas (con sorpresa), buenas dosis de violencia estetizante y humor.

El film presta atención a los aspectos espirituales y psicológicos que rodean el mundo del samurai, incluyendo números musicales y mezcla de tramas que finalmente subyugan.

Ganó el León de Plata de Venecia al mejor director en 2003 y varios premios más en otros paises.

Aparte de estas 7 elegidas, hay muchas más.  El propio Kurosawa, facturaría también las muy recomendables Trono de Sangre (1957), La fortaleza escondida (1958), Yojimbo (1961), Tsubaki Sanjuro (1962), o la censurada al principio de la ocupación americana Los hombres que caminan sobre la cola del tigre (1945).

En todas estas películas  guerreros samuráis, al servicio de un señor feudal o como ronin sin dueño, protagonizan diferentes peripecias de acción y de sangre, en ocasiones inspiradas en dramas shakesperianos.

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Pero otros muchos directores japoneses y no nipones, han realizado películas con samuráis de por medio o con el código de conducta del samurai, el Bushido, rigiendo los destinos de los que rodean al guerrero, bien en producciones locales o bien en producciones europeas o americanas. Entre todas ellas  hay algunas muy destacables:

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Fuentes documentales utilizadas:

Samurai, el código del guerrero. Thomas Louis & Tommy Ito.  Ed. Paraninfo
Samuráis. El arte de matar y morir. José Ángel Martos. Revista Clio. 5-51
Diccionario del Cine de Aventuras. Javier Coma. Ed. P & J.
Internet Movie DataBase.

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Aquellos forzudos de otros tiempos.

9 julio 2009 at 22:00 (Cine, Cine de Aventuras, Cine Histórico, Comedia, Erotismo, Ficcion-Fantástico, Mitología)

El año en que nací yo, 1959, se estrenaba mundialmente una película que marcaría el comienzo de un género en el cine europeo.  La película Hércules, que se estrenaría en España en 1960,  se había estrenado un año antes en su país de origen, Italia, y ningún otro film sobre mitos griegos ha tenido tanta influencia como este éxito de taquilla del productor americano Joseph E. Levine.

Levine
, famoso por sus campañas de publicidad hercúleas, nunca mejor dicho, para promocionar las películas que producía, recaudó con esta película “peplum” más de 18 millones de dólares, y transformó la inversión en este título italiano (Le Fatiche di Ercole), de 120.000 dólares, en una auténtica fortuna.

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El film, dirigido por Pietro Francisci,  tiene graves defectos, destacando sobre todo la mediocridad de la atmósfera, sus pobres caracterizaciones, el doblaje espantoso, y una historia de amor empalagosa,  pero fue el prototipo de todo un género.

Hércules fue la primera película neoitaliana sin ninguna pretensión, salvo convertir la acción histórica y romántica en un espectáculo rentable, plagado de aventura pura y emocionante.

En esta película y en las que la seguirán,  las estrellas masculinas cumplen nuevos requisitos que serán característicos de este nuevo género, o del género renovado por los italianos: bíceps de 45 centímetros y pectorales de 125 o más.

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El papel protagonista lo encarnaba un espécimen humano perfecto en musculatura masculina, el Mister Universo de 1950, Steve Reeves. Aunque ya había protagonizado algún título anterior, Hércules le catapultó a la fama y la pantalla.  Su físico esculpido con proporciones helénicas se esforzaba, se contraía, se estiraba y se exhibía en cada escena de un guión superficial que lo único que buscaba era el entretenimiento de las masas.

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Anteriormente al Hércules de 1959, y también posteriormente, se han producido innumerables películas que podrían también incluirse en lo que se conoce como género “peplum” y que se basan  en el mundo grecorromano, aunque no exclusivamente.

Y así tenemos desde la Intolerancia de D. W. Griffith de 1916, pasando por los diferentes Espartacos (1909, 1913, 1914, 1919, 1954, 1960), los Ben-Hur (1907, 1925, 1959), las Cleopatras, los emperadores romanos, los bárbaros y los hunos, las películas basadas en la Biblia y en el Nuevo Testamento, las Medea, la guerra de Troya, Alejandro Magno, la Odisea y Ulises, Esparta, Rodas y su coloso, los gladiadores, Roma… y un sinfín de películas y temáticas más alrededor de ese mundo pretérito.

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Pero fue a partir de este Hércules del 59, cuando la industria italiana produciría la mayoría de las conocidas como epopeyas de forzudos, sin otra pretensión que buscar el divertimento general para todos los públicos.

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Esta producción de musculosas películas se extendería hasta el año 1965, aunque posteriormente se realizaron algunas reapariciones como la de 1970 (Hércules in New York) con Arnold Schwarzenegger, los dos Hércules de Lou Ferrigno en 1983 y 1985, o la serie de Televisión Hercules: The Legendary Journeys.

Entre los forzudos famosos, además del insuperable Mister Universo y Mister Mundo, Steve Reeves, y de su antecesor una generación anterior, Bartolomeo Pagano, destacaron también otros musculosos posteriores como Gordon Scott, bombero de Las Vegas y revitalizador del subgénero de Tarzán en 1955 y que interpretó a Hércules, Maciste y otros cachas, Mark Forrest que también interpretó al forzudo Maciste, Ed Fury que interpretó a Ursus, Colossus y también a Maciste, Kirk Morris, Brad Harris, Reg Park, Dan Vadis,  Samson Burke, Peter Lupus (con el pseudónimo Rock Stevens), Sergio Ciani (con el nombre  artístico de Alan Steel), Lou Ferrigno, Richard Harrison.

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Los villanos en estas películas siempre eran unos déspotas y opresores del pueblo, o unas reinas malvadas y seductoras, siempre con un ejército de lacayos armados dispuestos a matar al forzudo, se llamase Hércules, Heracles, Maciste, Sanson, Ursus, Colossus o Goliat.

Los decorados siempre eran parecidos, muy imaginativos pero de saldo. Las cuevas húmedas llenas de estalactitas donde vive el monstruo, el desolado salón del trono del déspota de turno, el estridente dormitorio de la malvada reina, las mesas de madera de la posada local, que  acabarán destrozadas en una pelea.

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En la mayoría de estos peplum de forzudos aparecen persecuciones, en carro, a pie o a caballo, peleas entre gigantescos forzudos, entre el forzudo y  diez o doce oponentes esmirriados a la vez o entre bestias espeluznantes y el héroe, derrumbamientos y destrozos variados a base de empujones y estirones, y otras escenas de acción forzuda.

Pero también aparecen largas caminatas sin palabras por bosques, desiertos y playas que ofrecen al espectador un respiro a la tensa acción previa o al elaborado y traicionero diálogo palaciego.  El héroe suele encontrar en esta caminata villas o granjas en llamas, cuerpos mutilados, apuñalados, ahorcados, ensangrentados y a veces, puede estar seguro de descubrir entre esos cuerpos a su anciano padre, a su mejor amigo, al padre de su prometida, al amigo de su amigo. Es una tragedia difícil de soportar, y cobra forma la promesa de venganza del forzudo: las tropas del tirano pagarán caro la afrenta.

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Y el forzudo se abre paso a golpes, doblando objetos, arrojando rocas y todo lo que tiene a mano, sea lo grande que sea, empujando, demoliendo, sacando músculo, y con sus manos desnudas y su fuerza bruta, arreglando las cosas en el sentido más simplista.

Cualquier época y cualquier lugar son buenos para que los forzudos repartan mamporros y la industria italiana, antes de decidir pasarse al salvaje Oeste, produjo 180 filmes que enviaron a Hércules y sus compañeros de pectorales de acero a la China del siglo XIII, al imperio Inca, al moderno Manhattan, a la era glacial, a luchar contra vampiros y otros monstruos y a la luna si hacía falta.

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Como escribió Pierre Leprohon en The Italian Cinema: “La historia del cine no se puede escribir solo teniendo en cuenta el trabajo intelectual”

Fuentes documentales utilizadas:

Peplum. El Mundo Antiguo en el Cine. Jon Solomon. Alianza Editorial.
Diccionario del Cine de Aventuras. Javier Coma. Ed. P & J.
IMDB:

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