The Wild Bunch

13 mayo 2010 at 22:00 (Cine, Cine del Oeste, Drama, Mis Mitos del Cine)

A principios de 1969, después de ochenta y un días, terminó el rodaje principal de la película Grupo salvaje (The Wild Bunch). Todos los que participaron en el proyecto lo dieron todo en el rodaje de este western. Fue una experiencia larga y dificultosa a las órdenes del exigente Sam Peckinpah, pero todos se comprometieron hasta el final y a nadie pareció importarle.

El grupo de delincuentes protagonistas de esta película, denominado salvaje, feroz o violento, es totalmente anacrónico para la época en que se desarrolla la acción: 1913. Por esto, este grupo de inadaptados, de perdedores, está condenado a la extinción, a ir de fracaso en fracaso para acabar muertos violentamente como única salida, según su más noble forma de pensar, luchando contra las tropas del general Mapache (Emilio Fernández), personificación expresa de la violencia fascista.

La metáfora con la que abre el film, el escorpión atacado y devorado por las hormigas, que acaban también muriendo abrasadas por ese fuego fomentado por niños inocentes, que contemplan divertidos la escena, augura una historia dura, una historia sin ninguna concesión a la ternura ni a la piedad.

La canción de Las golondrinas, con la que el pueblo del delincuente idealista del grupo, Angel, despide al grupo salvaje, alude al último, violento y trágico itinerario de la banda:

¿Adónde irá, veloz y fatigada,
La golondrina que de aquí se va?
¿Adónde irá, buscando abrigo?
Y no lo encontrará.
Oh, cielo santo, y sin poder volar.

Con un guión original de Roy Sickner y Walon Green, modificado por Peckinpah a medida que avanzaba el rodaje, esta historia violenta no dejó indiferente a nadie.

En cuanto al reparto de Grupo Salvaje, Lee Marvin empezó a sonar para el papel de Pike Bishop.  El defensor del proyecto, Kenneth Hyman, le había producido en Los doce del patíbulo, así que optó por Marvin y Peckinpah estuvo de acuerdo. Marvin, en cambio, pensó que el proyecto se parecía demasiado a Los Profesionales, película que había hecho hacía dos años, y finalmente descarto su participación.

Esto defraudó a Peckinpah. Según recuerda el director: “A Lee le gustaba el proyecto y quería el papel de Pike. Verás, Lee y yo nos conocemos desde hace bastante tiempo. Los dos hemos vivido en Malibu y hemos derramado más whisky del que la gente normal puede llegar a beber. Al principio parecía que aquello iba a salir, pero entonces a Lee le ofrecieron un contrato de un puto millón de dólares para hacer La leyenda de la ciudad sin nombre, y él aceptó. Discutimos un poco aquel asunto, y podría decirse que nuestra relación se enfrió un poco”.

Finalmente William Holden, con papeles en su haber que lo abalaban como suficientemente duro, y el también bastante duro, Robert Ryan, entraron en el proyecto. “Con gente así, teníamos todas las de ganar”.

Peckinpah añadió a actores con los que ya había trabajado antes como L. Q. Jones, Strother Martin, Ben Johnson y Warren Oates, y aceptó un poco a regañadientes la inclusión de Ernst Borgnine por parte de Hyman. Posteriormente Peckinpah reconocería: “Ernie resultó ser una de las mejores personas con las que he trabajado”.

Técnicamente la película fue un alarde de medios, llegando a utilizarse hasta seis cámaras para rodar las secuencias de acción, unas a 24 fotogramas por segundo y otras a más velocidad. De esta manera se  facilitaba posteriormente la construcción de los efectos de cámara lenta en la fase de montaje. La fase de montaje tendría ocupados a Lou Lombardo y a Peckinpah dos meses adicionales después de la finalización del rodaje. Algunas escenas requirieron de muchas tomas debido a su enorme complejidad. Por ejemplo la masacre final, que se rodaría durante once días.

Lou Lombardo recuerda la fase de montaje y como desecharon un montón de material: “Cuando terminamos, el film duraba menos de dos horas y media con intermedio. Había 3.642 cortes en la película; más que ninguna otra película en color rodada hasta la fecha. Yo recordaba que Hitchcock, creo, había dicho una vez que, si quieres que una película sea realmente emocionante, tienes que meter muchos cortes. Una película normal no suele tener más de unos 600. Así que, según ese criterio, Grupo salvaje es la película más emocionante de la historia”.

El resultado fue una película grandiosa que obtuvo un éxito notorio. Los estallidos de violencia y la lírica presente en las escenas más tranquilas, afirman el gran talento de Sam Peckinpah y consiguen un western épico con abundantes significados. De todos ellos, me quedo con uno que sigue imperecedero en estos tiempos de amarga crisis: su sentido moral profundamente corrosivo con respecto a la ética oficial de la sociedad contemporánea, ya sea la americana o la del desgastado viejo continente.

Fuentes documentales utilizadas:

Sam Peckinpah. Vida Salvaje. Garner Simmons. Ed. T&B.
Diccionario del Western Clásico. Javier Coma. Ed. P & J.
La gran caravana del Western. Javier Coma. Alianza Editorial.
Cowboy Movie Posters. Bruce Herchenson.

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Edgar y Roger, un coctel sangriento

30 marzo 2010 at 22:00 (Cine, Erotismo, Ilustración, Literatura, Mis Mitos del Cine, Novela, Relatos, Terror)

No espero ni pido que alguien crea en el extraño aunque simple relato que me dispongo a escribir. Loco estaría si lo esperara, cuando mis sentidos rechazan su propia evidencia.”

Estas palabras de confesión desesperada en la víspera de su ejecución proceden del relato “El gato negro” de Edgar Allan Poe, pero bien podrían referirse a la propia vida de un artesano industrial, buen conocedor de su oficio, que realizó lo impensable en aquel Hollywood a lo largo de su carrera cinematográfica. Hizo lo que otros no podían creer rechazándolo por imposible. Su autobiografía, publicada en 1990, lo resume bien en su título: How I Made a Hundred Movies in Hollywood and Never Lost a Dime (Como realicé un centenar de películas y nunca perdí un centavo).

Roger Corman, licenciado en ingeniería, en las especialidades de física y termodinámica, pronto se incorporaría a la industria de Hollywood, atraído por la magia del cine. De recadero para la 20th Century Fox pasaría a lector de guiones, luego a guionista, productor y director de películas de muy bajo presupuesto.

Creó un eficaz equipo de técnicos y actores que le permitía rodar hasta setenta y ocho planos diarios. Por ejemplo, en 1956, produce y dirige diez largometrajes en menos de diez días cada uno, con un coste medio de sesenta y cinco mil dólares, consiguiendo beneficios con todos ellos.

Entre 1960 y 1964, Corman dirigirá siete títulos basados en relatos de Edgar Allan Poe, por los que sería más conocido. Estas adaptaciones prometían una intención de poner en marcha producciones más ambiciosas de las que eran habituales en el seno del modesto estudio para el que trabajaba, la American International Pictures (A.I.P.), utilizando para ello más presupuesto, el color, el formato scope.

Estos títulos son: El hundimiento de la casa Usher (House of Usher, 1960), El péndulo de la muerte (The Pit and the Pendulum, 1961), La obsesión (The Premature Burial, 1962), Historias de terror (Tales of Terror, 1962), El cuervo (The Raven, 1963),  La máscara de la muerte roja (The Masque of the Red Death, 1964) y La tumba de Ligeia (The Tomb of Ligeia, 1964).

Para el rodaje de estos filmes no dudaría en aplicar sus métodos bien engrasados. Así,  El hundimiento de la casa Usher se rodaría en quince días por doscientos mil dólares y  La máscara de la muerte roja se realizaría en cinco semanas por algo más de un millón de dólares de la época.

Para dirigir estas historias, Corman tendría que ingeniárselas para vencer a los dos principales problemas a los que un director de cine debe enfrentarse a la hora de poner en la pantalla la obra de Poe. En primer lugar la brevedad de las historias y en segundo lugar su desarrollo en forma de monólogo, fruto de la narración en primera persona que solía utilizar el genio atormentado de Boston.

Pero Roger Corman tenía soluciones para todo. El primer problema lo salvaron  utilizando los relatos de Poe como clímax construyendo alrededor los actos que hicieran falta intentando ser lo más fiel posible al autor pero incorporando personajes secundarios que permitieran alargar la historia. Con esto se aseguraban alcanzar los 80 minutos reglamentarios de duración que se necesitaba para la exhibición en una sala cinematográfica. El segundo problema se resolvía apoyado en la premisa anterior. Los monólogos terribles y a menudo ambiguos de los personajes de Poe, se transformaban en diálogos a repartir entre los figurantes de la trama.

De esta manera y con esos métodos, Corman elude la visión subjetiva y ambigua de Poe a favor de una presentación argumental objetiva, basada en los hechos y estructurada a través del diálogo.

Ni Corman ni sus guionistas (Richard Matheson, Charles Beaumont, Ray Russell, R. Wright Campbell o  Robert Towne) tuvieron mucho interés en ser verdaderamente fieles a la letra de Poe aunque retrataron perfectamente el ambiente escalofriante descrito por el autor decimonónico, utilizando con certeza algunos de sus más populares golpes de efecto: muertas buscando venganza, mazmorras y oscuras mansiones, demoníacos instrumentos de tortura, gatos negros, personajes dementes y/o atormentados.

Corman no ocultó en ningún momento que una de las razones que le llevaron a adaptar la obra de Poe, aparte de la fascinación que sentía por ella, fue que sus cuentos eran de dominio público y no había que pagar derechos de autor. No cabe duda que siempre estaba preocupado por la rentabilidad en taquilla  y que Poe le inspiraba la creación de unos productos de fácil consumo para un público objetivo ávido de terrores.

Para perpetrar este coctel sangriento de filmes, Corman no dudaría en reclutar para su causa a emblemáticos actores del cine clásico de terror y suspense como Boris Karloff, Peter Lorre, Vicent Price, Ray Milland o Basil Rathbone.

Todos ellos interpretarían  personajes al más puro estilo Poe. Personajes atormentados unas veces, maniáticos otras, fríos y calculadores a veces, dementes muchas.

Si bien la literatura de Edgar Allan Poe no se prodiga por grandes dosis de carnalidad femenina y la presencia de la mujer no parece necesaria en muchos de los relatos o aparece como la materialización de cierto modelo de belleza romántica, el cine de Corman no tendrá reparos en proporcionar esas porciones carnales necesarias para facilitar la distribución de los filmes.

Así encontramos a actrices que, en el celuloide, transforman en carne los modelos idealizados y las lánguidas heroínas de Poe. Vengativas casi todas, frías, calculadoras y manipuladoras en busca de un objetivo nada ideal y sí muy tangible muchas otras, se incorporarán a esta serie de títulos una serie de hembras rotundas para animar a los apáticos y nada erotizados protagonistas y de paso reforzar así la carga sexual de los relatos.

Las actrices que se encargarán de esta grata tarea serán entre otras Myrna Fahey, Barbara Steele, Debra Paget, Jane Asher o Elizabeth Shepherd.

Una vez que Corman abandonó el universo de Poe, el estudio AIP siguió exprimiéndole jugo al escritor, hasta el punto de convertirlo en una especie de marca comercial que se colocaba delante del título del film. Surgen de esta manera algunos títulos con una relación con la obra de Poe ligera o incluso nula. En muchos casos esta relación se limita a la inclusión de una cita literal para iniciar o clausurar el film o a la utilización de algún título tomado de sus relatos. Entre todos esos filmes podemos mencionar  The Haunted Palace, dirigida por el propio Roger Corman, que toma su título de un poema incluido en “La caída de la casa Usher”, pero cuyo argumento realmente está basado en la obra de H. P. Lovecraft.

Al margen de estas siete adaptaciones, Corman dirigiría también en paralelo algunas otras películas con ambientes y temáticas muy parecidas. Así se podían aprovechar los decorados y materiales e incluso se aprovechaba a los actores. Entre estas obras podríamos destacar El terror (The Terror, 1962) o La torre de Londres (The Tower of London, 1962).

Fuentes documentales utilizadas:

Las sombras del Horror. Edgar Allan Poe en el cine. Capítulo de Roberto Cueto. Ed. Valdemar Intempestivas. 2009.
Enciclopedia de Cine de Terror. Planeta de Agostini. 1992.
Edgar Allan Poe. Cuentos /1. Traducción de Julio Cortázar. Alianza Editorial. 1978.
Diccionario Espasa de Cine. Augusto M. Torres. Ed. Espasa. 1996.

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Happy Halloween Vampira!

31 octubre 2009 at 22:00 (Cine, Erotismo, Ficcion-Fantástico, Mis Mitos del Cine, Series TV, Terror)

Corría el año 1953 y se celebraba una de las más sonadas fiestas de disfraces de la época, la Ball Caribe Masquerade, organizada por el coreógrafo de Los Ángeles Lester Horton.

Esta fiesta estaba plagada de personajes de la farándula que buscaban una oportunidad para hacer despegar sus carreras, ya que en la prestigiosa fiesta se daban cita los más afamados productores, guionistas y ejecutivos de los estudios de cine y de la incipiente y aún no muy tomada en serio Televisión.

La finlandesa Maila Elizabeth Syrjäniemi Nurmi, sobrina del famoso corredor olímpico Paavo Nurmi, era bailarina exótica y modelo fotográfica.  Se había casado con el guionista y productor Dean Reisner, y había destacado en varios pequeños papeles como extra en Broadway,  por lo que tenía asegurada su invitación al baile de máscaras.

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Su asistencia al baile fue sonada y cambio su suerte para siempre.  Inspirándose en el personaje femenino de las tiras cómicas de Charles Addams que aparecían en The New Yorker (personaje que posteriormente sería bautizado como Morticia en la serie de TV), y mezclando esa imagen con algunas fotografías de fetichismo obtenidas de la revista S&M Bizarre, Maila se presentó en la fiesta con un ajustado vestido negro, una larga cabellera como el azabache y el cuello con sangrientos arañazos.  Esta mujer pálida recién salida de una tumba, mitad vampiro sexual y mitad espectro amortajado, se llevó el primer premio del concurso de disfraces de entre los 2000 asistentes.

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Maila sería recordada poco después por uno de los asistentes a la mascarada, el director de programación de la cadena KABC Hunt Stromberg Jr., que andaba buscando una forma de presentar al público los viejos clásicos del cine de terror. Así que localizó a Maila y la ofreció la posibilidad de ser la presentadora de un show nocturno que diera un repaso a los polvorientos hitos del terror, pero con la condición de que apareciera con la misma imagen que en el baile de disfraces.

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Maila se puso a darle vueltas a aquella imagen, y como no quería copiar la creación de Charles Addams, para no violar el copyright, inventó su propio personaje mediante la receta de un bebedizo infalible, tal y como nos relata el tristemente desaparecido Miguel Angel Prieto en su libro “¡Malditas Películas!”:

2 onzas de Theda Bara (vamp, vamp)
2 onzas de Morticia (mórbida victoriana)
3 onzas de Norma Desmond (El crepúsculo de los dioses)
4 onzas de Tallulah Bankhead (la voz, querido)
2 onzas de Marilyn Monroe (los demonios son los mejores amigos de una diablesa)
3 onzas de Katharine Hepburn (victoriana inglesa)
2 onzas de Bette Davis (mamá, baby)
3 onzas de Billie Burke (diletante sin salsa)
3 onzas de Marlene Dietrich (la voz cantante)
8 onzas de pin-ups de “Bizarre
Añadir tres huevos de lagarto, dos capullos de mariposa y un ojo de cristal de un pigmeo.
Agitar vigorosamente hasta evaporarlo.

Y así nació Vampira. Todo un ejemplo de fusión cultural.  Una vampiresa de ultratumba, pechugona y demacrada a la vez, para las noches del sábado, que se acercaba a los televidentes voluptuosamente entre la niebla y daba unos alaridos que helaban la sangre. Sin duda unas introducciones escalofriantes para las historias terroríficas que venían después.

Buenas noches. Yo soy… Vampira. Espero que todos hayáis tenido la buena suerte de pasar una semana horrible”.  Con estas palabras introducía Maila su show nocturno en las televisiones de madera Magnavox de los hogares americanos.  Llevaba una larga melena negra teñida, largas y afiladas uñas de color rojo con las que sujetaba los larguísimos cigarrillos que se fumaba, tacones de aguja y un inhumano contorno de avispa de 43 centímetros (sus medidas eran 96-43-92), embutida en un ceñidísimo vestido de rayón color negro hecho jirones.

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En las pausas publicitarias, Vampira bebía veneno de su mueble bar victoriano, y presentaría a los televidentes su cocktail especial formado por una parte de formaldehido, dos partes de sangre de buitre servido con hielo seco y adornado con un ojo de cristal.

The Vampira Show se convirtió en el programa de moda de los años 50 y se dispararon los índices de audiencia de forma vertiginosa.

Maila Nurmi se convirtió en estrella de la Televisión con su show vampírico y las más prestigiosas revistas publicaron amplios reportajes fotográficos sobre su vida y obra.

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La lista de admiradores de Vampira creció de forma increíble durante ese año y numerosos actores jóvenes eran fans incondicionales de ella y su personaje. Fue así como conoció a Marlon Brando, Mae West, Anthony Perkins, Montgomery Clift, James Dean.

De la relación entre Maila y James Dean se escribieron ríos de tinta, alimentadas principalmente por los voraces paparazzi de la prensa rosa y sensacionalista encabezados por la periodista y actriz Hedda Hopper.  La pareja siempre negó tal relación íntima, si bien mantuvieron una intensa amistad y salían muchas noches juntos por los locales de Sunset Boulevard y alrrededores.

La temprana y trágica muerte de James Dean al volante de su automóvil y su relación con la bruja Maila, generó diversas leyendas negras que circularon en los tabloides sensacionalistas acerca del embrujo que Vampira había ejercido sobre el actor malogrado a tan temprana edad, llegándose a publicar escandalosas historias donde se nombraba a Maila como La Madonna Negra de James Dean.

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Aunque pueda parecer grotesco, estos chismorreos hicieron que la popularidad de Vampira y de su Show nocturno cayera en un declive imparable y se fraguase una situación insostenible agravada además por la negativa de Maila a ceder los derechos de su personaje a la KABC que finalmente canceló la emisión de la serie.

Maila Nurmi fue puesta en la lista negra de la industria y solo trabajó en algunas obras de teatro en Nueva York y en algún espectáculo para el casino Riviera de Las Vegas, donde seguiría sacando partido al personaje vampírico que creó para disfrazarse en una oscura noche de Halloween.

Varios años después de su caída en el olvido, Vampira sería resucitada por el peor cineasta de todos los tiempos, Edward D. Wood, en la bizarra película de culto Plan Nine from Outer Space (1959) donde interpretó a una vampiresa muda en trance, resucitada por un rallo cósmico.  Maila reconocería que quedó horrorizada al leer el guión, pero que necesitaba los 200$ que le ofreció Ed Wood por su día de trabajo.

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Despues de Plan 9, Maila trabajó en varias películas de serie B, hasta que se retiró del cine completamente a finales de los años 60 y se dedicó a su tienda de antigüedades, “Vampira’s Attic”  y a diseñar y vender varias líneas de joyas y ropa.

Cuando en los años 70, la película Plan Nine… fue considerada la peor película de todos los tiempos, ésta se convirtió de repente en un clásico de culto que se proyectaría en las sesiones de madrugada de los cines de medio mundo.  La película y Vampira, de nuevo ascenderían en popularidad y servirían de inspiración a grupos de rock como los británicos The Damned o los neoyorquinos The Misfits, que incluso animaron a la propia Maila a fundar su propio grupo punk que lanzó algunos singles en los años 80: “Vampira and Satan’s Cheerleaders

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Vampira volvería a resucitar de nuevo con la película Ed Wood de Tim Burton en la que se cuenta la historia del  curioso e interesante peor director de la historia del cine y en la que Lisa Marie recreaba con gran elegancia a Vampira.

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Toda la vida de Maila Nurmi fue una fiesta de Halloween, con mucha diversión y fama, pero también con momentos de verdadero terror. Es una pena que solo podamos disfrutar de su macabro sentido del humor y de su esplendorosa Vampira de cintura de avispa en Plan Nine… y que no haya más registros de sus programas originales.

La web oficial de Vampira es muy sugerente e interesante y ha rescatado algunos fragmentos de aquel Show solo recomendado a seres de la noche.

Otro enlace interesante es la página dedicada a la película de 2006: Vampira, The Movie.

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Películas en las que intervino Maila Nurmi.

1947 If Winter Comes
1958 Too Much, Too Soon
1959 Plan 9 from Outer Space, The Beat Generation, The Big Operator
1960 I Passed for White, Sex Kittens Go to College
1962 The Magic Sword
1986 Population One
1998 I Woke Up Early the Day I Died

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Estos son los Capítulos de  The Vampira Show – KABC-TV 1954-55. Los títulos son muy sugerentes.

1.         04/30/1954      Dig Me Later Vampira (Preview Show).
2.         05/01/1954      Charge is Murder.
3.         05/08/1954      The Face of Marble.
4.         05/15/1954      Revenge of the Zombies.
5.         05/22/1954      Fog Island.
6.         05/29/1954      Corridor of Mirrors.
7.         06/05/1954      (No Identificada)
8.         06/12/1954      Devil Bat’s Daughter.
9.         06/19/1954      The Flying Serpent.
10.       06/26/1954      The Mask of Dijon.
11.       07/03/1954      Strange Mr. Gregory.
12.       07/10/1954      The Man With Two Lives.
13.       07/17/1954      Corridor of Mirrors.

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14.       07/24/1954      Fear.
15.       07/31/1954      Rogue’s Tavern.
16.       08/07/1954      Dangerous Intruder.
17.       08/14/1954      Mystery of the 13th Guest.
18.       08/21/1954      Midnight Limited.
19.       08/28/1954      Bluebeard.
20.       09/04/1954      Missing Lady.
21.       09/11/1954      Murder By Invitation.
22.       09/18/1954      Red Dragon.
23.       09/25/1954      Missing Heiress.
24.       10/02/1954      Missing Corpse.
25.       10/09/1954      Fatal Hour.
26.       10/16/1954      Phantom Killer.

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27.       10/23/1954      The Shadow Returns.
28.       10/30/1954      King of the Zombies.
29.       11/06/1954      Doomed to Die.
30.       11/13/1954      House of Mystery.
31.       11/20/1954      My Brother’s Keeper.
32.       11/27/1954      Dear Murderer.
33.       12/04/1954      Castles of Doom.
34.       12/11/1954      The Charge is Murder.
35.       12/18/1954      Return of the Ape.
36.       12/25/1954      Man With the Gray Glove.
37.       01/01/1955      Apology for Murder.
38.       01/08/1955      Decoy.
39.       01/15/1955      Murder is My Business.

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40.       01/22/1955      Phantom of 42nd Street.
41.       01/29/1955      Case of the Guardian Angel.
42.       02/05/1955      Lady Chaser.
43.       02/12/1955      Killer at Large.
44.       02/19/1955      She Shall Have Murder.
45.       02/26/1955      The Lady Confesses.
46.       03/05/1955      Larceny in Her Heart.
47.       03/12/1955      Glass Alibi.
48.       03/19/1955      Detour.
49.       03/26/1955      Strangler of the Swamp.
50.       04/02/1955      Woman Who Came Back.

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Fuentes documentales utilizadas:

¡Malditas Películas!. Miguel Angel Prieto.
Monster Show. David J. Skal. Ed. Valdemar Intempestivas.

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El hombre de las Mil caras.

12 septiembre 2009 at 22:00 (Cine, Drama, Mis Mitos del Cine, Terror)

Hijo de sordomudos, demostró desde muy pequeño una gran capacidad de comunicación gestual. Con un absoluto dominio de la expresión corporal y de la pantomima y mediante la utilización de técnicas de maquillaje y transfiguración asombrosas, ideadas por él mismo, se convirtió en una estrella del cine mudo de los años 20 y es recordado así por el director Allan Dwan: “Solía presentarse en el trabajo con extravagantes maquillajes y dientes postizos; parecía que pretendiera llamar la atención, porque nadie se pone una nariz postiza para pasar inadvertido. Así que un día le dije que si quería ponerse ante la cámara. Respondió que sí (…) Y le di un par de personajes secundarios curiosos, con los que empezó a darse a conocer al público.”

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Este maestro del arte del maquillaje nació el 1 de abril de 1886 en Colorado Springs y de jovencito ya trabajaba como extra en la ópera de su ciudad natal. Debutó junto a su hermano John a los diecinueve años con la obra dramática The Little Tycoon.

Después de abandonar los escenarios teatrales, se convirtió en uno de los muchos obreros de los estudios Universal donde hizo todo lo posible para que se fijasen en él hasta que comenzó a trabajar como extra y posteriormente llegar a interpretar sus mayores éxitos que serían seguidos por millones de admiradores intrigados por descubrir bajo qué caracterización se ocultaba su ser humano atormentado preferido.

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Quería triunfar en el cine, pero odiaba la publicidad y no dejaba fotos suyas a la prensa. Durante muchos años no se conocieron sus facciones auténticas por parte del gran público, lo que le permitía el lujo de pasear por las calles de Hollywood sin llamar la atención y asistir a las sesiones de cine sin que nadie se acercara a pedirle un autógrafo.

Como pasatiempo, se maquillaba concienzudamente añadiendo un nuevo rostro o personaje a su colección, salía de casa y entraba en un cine para estudiar las reacciones de sus vecinos de butaca al observarle. Era insólito y hermético, obsesionado por ser estimado como actor y no como transformista, dijo: “Espero que nunca me acusen de dar miedo sólo por efectos horribles.

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Colaboró en más de 8 películas con otro atormentado de la época que se especializó en dirigir y crear películas basadas en el melodrama y el crimen, el genial director Tod Browning. Éste dirigió por primera vez a nuestro hombre de las mil caras en la película de 1919 The Wicked Darling y lo tendría de nuevo bajo sus órdenes como emergente actor secundario en la película de gánsteres de 1921 Outside the Law.

Cuando Browning regresó a la MGM en 1925, tras estar en la lista negra por su alcoholismo durante 2 años, volvería a dirigir a nuestro hombre en una de sus más famosas caracterizaciones. La película  El trío fantástico (The Unholy Three).

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En esta película, Lon Chaney interpretaba a un ventrílocuo que se disfrazaba de ancianita vendedora en una tienda de loros y que engañaba a los clientes haciéndoles creer que los loros hablaban mediante sus trucos de ventriloquía. La película fue todo un éxito y fue considerada una de las diez mejores películas del año 1925.

Para entonces, Lon Chaney ya era conocido como el hombre de las mil caras, gracias a las caracterizaciones que había realizado hasta entonces y donde ya había demostrado su facilidad para la contorsión física interpretando a tullidos como en el film de 1919 The Miracle Man de George Loane Tucker o el posterior y más famoso The Penalty de Wallace Worsley en 1920, donde interpretaba a un vengativo hampón criminal y donde utilizaba un doloroso arnés en las piernas que le permitía caminar sobre las rodillas, ayudado por un par de pequeñas muletas. Se dice que se desmayó varias veces en el plató de rodaje debido al torturador mecanismo que le cortaba peligrosamente la circulación.

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En la película de 1922, La obsesión de un sabio (A Blind Bargain) también de Wallace Worsley cambio su castigador disfraz de tullido por el de un jorobado de aspecto simiesco ayudante de un científico loco. Esta auto-tortura que se infringía Chaney remataría en la interpretación de El jorobado de Nuestra Señora (The Hunchback of Notre Dame) de Wallace Worsley en 1923, y donde llevaba una joroba de goma de  veintidós kilos.

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Con He Who Gets Slapped (El que recibe el bofetón) rodada para la MGM en 1924 por Victor Seastrom, Chaney interpretaría a un conmovedor personaje, científico al que su mecenas traiciona y ridiculizado se oculta tras la máscara de un payaso en un circo donde se refleja una atmósfera repleta de patetismo con personajes muy creíbles y bellas escenas de circo.

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Interpretando a Erik, en El fantasma de la ópera (The Phantom of the Opera), dirigida por Rupert Julian en 1925, conseguiría Chaney su más famosa interpretación a nivel internacional, con un rostro destrozado que no se ponía de manifiesto hasta la escena del film donde su rostro era descubierto por Christine Daae (Mary Philbin) y provocaba gritos de horror en el público.

Para esta adaptación de la novela de Gaston Leroux, Lon Chaney utilizaba una aplicación de alambre que contorneaba y echaba hacia atrás su nariz, según el cámara de la película, Charles Van Enger, Chaney sufría bastante con este artilugio y a veces sangraba una barbaridad.

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El historiador de cine David Thomson concretó el atractivo de Chaney: “No hay otro actor que ilustre de tal manera para el público la fascinación, la idea, la promesa y la amenaza de la metamorfosis (…) La apariencia fluctuante de Chaney hacía bullir la sed de experimentación del público, con el actor como intermediario”.

Tod Browning y Lon Chaney volvieron a colaborar en 1926 rodando Maldad Encubierta (The Blackbird) y La sangre manda (The Road to Mandalay) en el mismo año. En ellas aparecía de nuevo Chaney mutilado y horriblemente desfigurado. Esta obsesión compartida por director y actor tendría su cenit con el rodaje de Garras humanas (The Unknown) en 1927, otro melodrama circense donde Chaney interpretaría a Alonzo el manco, un hombre que se hace pasar por fenómeno de feria para evitar ser capturado por la policía y que lanza cuchillos con los pies en el circo donde se oculta.

En esta película Chaney se enamoraba de una bella artista circense, Estrellita, interpretada por Joan Crawford que encontró a Chaney como “el individuo más tenso e interesante que he conocido en mi vida, un hombre hipnotizado por su papel.”

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En 1927, Browning y Chaney de nuevo crearon otra imagen inquietante y terrorífica cuando filmaron La casa del Horror (London After Midnight), en la que Chaney interpretaba a un falso vampiro con una dentadura digna de un tiburón.

Con la llegada del sonoro, pocos imaginaban que Lon Chaney también era un experto en disfrazar su timbre de voz natural. Cuando comenzó a rodar películas sonoras, acudió a un notario para que levantase acta de sus aptitudes, que fueron ampliamente demostradas hasta su muerte prematura por un cáncer de garganta a los 44 años.

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El mito del hombre de las mil caras, Lon Chaney,  atormentó a su hijo Creigton Chaney, conocido como Lon Chaney Jr. que interpretó en 1941 al patético Larry Talbot, el hombre lobo (The Wolf Man), papel por el que pasaría a la historia del cine y que le hizo muy popular en los años cuarenta.

Aunque no llegó a la altura de su padre, está claro que tenía sangre Chaney en sus venas. Una familia de actores sufridores por el arte del maquillaje y por el arte de encandilar al público con sus terroríficas y atormentadas caracterizaciones.

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Fuentes documentales utilizadas:

Joyas del Cine Mudo. Vicente Romero. Ed. Complutense.
Enciclopedia del Cine de Terror. Tomo 1. Ed. Planeta Agostini.
Classics of The Horror Film. William K. Everson. Ed Citadel Press.
Monster Show. David J. Skal. Ed. Valdemar Intempestivas.

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Aquel Pistolero de Cheyenne.

20 mayo 2009 at 22:00 (Cine, Cine del Oeste, Literatura, Mis Mitos del Cine, Novela)

George Stevens escogió un lugar para el rodaje de Shane (Raíces profundas), que no hubiera sido utilizado antes para ninguna otra película del Oeste, este lugar se llamaba Jackson Hole en Wyoming, con los Grand Tetons erguidos en el horizonte, y allí hizo construir de forma minuciosa los edificios requeridos para la acción de la película. Para ello se baso en los cuadros de Charles M. Russell, caracterizados por su realismo hasta en los menores detalles y en las fotografías de William Henry Jackson.

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Posteriormente, un dibujante especializado en el mundo del Oeste, Joe De Young, elaboró los bocetos previos de visualización para el rodaje de cada secuencia. Las secuencias fueron rodadas desde diferentes  ángulos y con múltiples encuadres también diferentes. Al final, el estilo definitivo de esta película nació en la sala de montaje.

Basada en una novela de Jack Schaefer escrita en 1949, y adaptada por el guionista Alfred Bertram Guthrie, que había sido galardonado con un Pulitzer recientemente, se consiguió un lenguaje narrativo especial en Shane. Éste obedecía al punto de vista del niño Joey Starret (Brandon De Wilde), de forma que a través de su visión se encauzaban las tonalidades líricas del film.  Este ángulo narrativo a partir del pequeño Joey, estaba presente en la novela, donde, por medio del relato en primera persona, era mucho más explícito.

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Este magistral clásico del cine del Oeste mostraba al hastiado, errante y solitario pistolero, de oscuro pasado y noble actitud,  Shane (Alan Ladd), llegar a una granja en la que viven los Starretts (Jean Arthur y Van Heflin) junto a su joven hijo (Brandon De Wilde). Pero el matrimonio de granjeros se encuentra en dificultades, pues el ambicioso terrateniente del lugar, Rufus Ryker (Emile Meyer), anhela hacerse con sus tierras al igual que con las de sus vecinos.

A partir de ahora, cuando nos peleemos, quedará en el aire un olor a pólvora”.

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Cuando Shane da buena cuenta de un matón a su servicio, Ryker intenta contratarlo, pero ante su negativa ordena enviar a buscar a Cheyenne a un peligroso pistolero, asesino a sueldo, Jack Wilson, interpretado por Jack Palance.

Sombrero y guantes negros, chaleco y pañuelo oscuros, pantalón marrón, camisa blanca, espuelas brillantes y dos colts de culata blanca. La elegancia inquietante del mal. La encarnación prototípica del villano en los márgenes del western.

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Este papel de Jack Palance siempre será recordado por la psicología con la que impregnó a su personaje de Jack Wilson, un pistolero callado, de semblante hosco y mirada llameante. Un personaje que huele a pólvora.

Jack Wilson: I guess they named a lot of that Southern trash after old Stonewall.
Frank “Stonewall” Torrey: Who’d they name you after? Or do you know?
Jack Wilson: I’m saying that Stonewall Jackson was trash himself. Him and Lee and all the rest of them rebs. You, too.
Frank “Stonewall” Torrey: You’re a low-down lyin’ Yankee!
Jack Wilson: Prove it.

Con la muerte del campesino sudista Frank Stonewall Torrey (interpretado por Elisha Cook Jr.), primera víctima de Wilson, el otro pistolero, también taciturno y de oscuro pasado, Shane, tendrá que volver a empuñar el revólver que había prometido no volver a usar. “Uno no puede dejar de ser lo que es”, sentenciará después.

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Shane: So you’re Jack Wilson.
Jack Wilson: What’s that mean to you, Shane?
Shane: I’ve heard about you.
Jack Wilson: What have you heard, Shane?
Shane: I’ve heard that you’re a low-down Yankee liar.
Jack Wilson: Prove it.

El asesino granítico interpretado por Palance, es la otra cara de la moneda del personaje de Alan Ladd.  Uno de los pistoleros pugna por olvidar su condición y el otro sobrevive gracias a ella.

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El modelo utilizado en Shane, seguiría en westerns posteriores, como El dorado (1966), con John Wayne y Christopher George.  Y la película de Clint Eastwood, El jinete pálido (1985) siguiendo también el modelo iniciado por Shane y al que hace múltiples guiños.

Nuestro granítico pistolero de Cheyenne era americano de padres inmigrantes ucranianos.  Jack Palance (Vladymir Ivanovich Palahniuk) se hizo célebre por sus papeles de villano, al interpretar personajes duros, malos o psicópatas.

Hijo de un minero de extracción, a fines de la década de 1930 se lanza bajo el seudónimo de Jack Brazzo a una carrera en el boxeo profesional que le deparó varios éxitos: además de ganar sus primeras 15 peleas, 12 de ellas por nocaut, logra un palmarés de 18 triunfos en 20 combates. Los golpes en el boxeo desfiguraron su rostro.

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Palance dejó el boxeo profesional para ingresar en las fuerzas armadas en los primeros años de la década de 1940. Participó en la Segunda Guerra Mundial donde su rostro fue dañado nuevamente al estallar en el aire el bombardero en que iba. Fue intervenido en una serie de cirugías reconstructivas.

Se licenció en California en arte dramático en 1949. Antes de encontrar sus grandes oportunidades como actor, Palance trabajó desde vendedor de helados, profesor de natación, guardaespaldas e incluso periodista. Hasta que sube a las tablas de Broadway y un día lo descubre el director Elia Kazan, quien quedó impresionado por “un rostro que solo una madre podría amar”. El rostro angulado y la barbilla marcada le daban a Palance un aire misterioso con el cual era capaz de erizar la piel con su mirada fija.

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En 1950 debutó en el cine gracias a su participación en la película de Elia Kazan,Pánico en las calles“, un título negro que protagonizaba Richard Widmark. Con este actor volvió a aparecer en el mismo año en “Situación desesperada“,  una película bélica filmada por Lewis Milestone.

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En la década de los 50 consiguió dos nominaciones como mejor actor secundario en dos años consecutivos. La primera fue por “Sudden fear” (Miedo súbito) en 1952, un thriller de David Miller que co-protagonizaban Joan Crawford y Gloria Grahame, y la segunda por la película Shane (Raíces profundas) en 1953.

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Posteriormente intervino en otros muchos Films, westerns, películas para TV y series de TV, casi siempre de tipo duro o de villano. Podemos destacar:  “Atila, rey de los hunos” de Douglas Sirk (1954); “El cáliz de plata“, de  Victor Saville (1955), “El hombre solitario” (1956) de Henry Levin, o “The Big Knife” (1955) y “Attack!” (1956), ambas películas dirigidas por Robert Aldrich.

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En los años 60 trabajó principalmente en Europa, pero estuvo en contacto con la industria de Hollywood para la que interpretaría “Barrabás” (1962) de Richard Fleischer, “Los profesionales” (1966), de Richard Brooks, o “Che!” (1969), un título de Fleischer en el que Palance encarnaba a Fidel Castro.

Dentro de su periplo europeo apareció en películas como “Austerlitz” (1960) de Abel Gance, “Los Mongoles” (1961) de André de Toth, “Las Vegas, 500 millones” (1968) de Antonio Isasi-Isasmendi, o “Salario para matar” (1968), de Sergio Corbucci. Pero uno de sus trabajos más reconocidos en el viejo continente es “El desprecio” (1963), un film dirigido por el francés Jean-Luc Godard y que, en el papel de productor cinematográfico, le emparejó con Fritz Lang (interpretando al director), con Michel Piccoli (el guionista) y con Brigitte Bardot (la mujer de Piccoli).

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Durante la década de los años 1970 atravesó un periodo difícil por haberle dado la espalda a numerosos proyectos de Hollywood, a quien no perdonaba haberlo encasillado en papeles de villano y trabajó principalmente en filmes europeos, incluyendo varios spagetty western, algunas películas de terror de serie B y algunos peplum italianos. También es muy destacable de esta época su serie para TV interpretando a Drácula.

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Tras varias producciones italianas poco destacadas, Palance tuvo un regreso notable con la deliciosa Bagdad Café de Percy Adlon en 1987 y con Batman de Tim Burton en 1988.

En 1991 co-protagonizó junto a Billy Crystal, la comedia “Cowboys de ciudad“, que le hizo ganar el Oscar al mejor actor secundario.

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A pesar de las últimas risas y sonrisas que Jack Palance nos causó con sus últimos grandes papeles, a pesar de haber sido un poeta publicado y un sensible pintor, nunca olvidaremos su inmisericorde altanería, su mirada arrogante y su gesto brutal en Shane

Venía de Cheyenne y era un villano muy peligroso.

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Fuentes documentales utilizadas:

Nosferatu. Revista de Cine. Nº 27.  Artículo de Quim Casas.
Diccionario del Western Clásico. Javier Coma. Ed. P & J.
La gran caravana del Western. Javier Coma. Alianza Editorial.

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