The Wild Bunch

13 mayo 2010 at 22:00 (Cine, Cine del Oeste, Drama, Mis Mitos del Cine)

A principios de 1969, después de ochenta y un días, terminó el rodaje principal de la película Grupo salvaje (The Wild Bunch). Todos los que participaron en el proyecto lo dieron todo en el rodaje de este western. Fue una experiencia larga y dificultosa a las órdenes del exigente Sam Peckinpah, pero todos se comprometieron hasta el final y a nadie pareció importarle.

El grupo de delincuentes protagonistas de esta película, denominado salvaje, feroz o violento, es totalmente anacrónico para la época en que se desarrolla la acción: 1913. Por esto, este grupo de inadaptados, de perdedores, está condenado a la extinción, a ir de fracaso en fracaso para acabar muertos violentamente como única salida, según su más noble forma de pensar, luchando contra las tropas del general Mapache (Emilio Fernández), personificación expresa de la violencia fascista.

La metáfora con la que abre el film, el escorpión atacado y devorado por las hormigas, que acaban también muriendo abrasadas por ese fuego fomentado por niños inocentes, que contemplan divertidos la escena, augura una historia dura, una historia sin ninguna concesión a la ternura ni a la piedad.

La canción de Las golondrinas, con la que el pueblo del delincuente idealista del grupo, Angel, despide al grupo salvaje, alude al último, violento y trágico itinerario de la banda:

¿Adónde irá, veloz y fatigada,
La golondrina que de aquí se va?
¿Adónde irá, buscando abrigo?
Y no lo encontrará.
Oh, cielo santo, y sin poder volar.

Con un guión original de Roy Sickner y Walon Green, modificado por Peckinpah a medida que avanzaba el rodaje, esta historia violenta no dejó indiferente a nadie.

En cuanto al reparto de Grupo Salvaje, Lee Marvin empezó a sonar para el papel de Pike Bishop.  El defensor del proyecto, Kenneth Hyman, le había producido en Los doce del patíbulo, así que optó por Marvin y Peckinpah estuvo de acuerdo. Marvin, en cambio, pensó que el proyecto se parecía demasiado a Los Profesionales, película que había hecho hacía dos años, y finalmente descarto su participación.

Esto defraudó a Peckinpah. Según recuerda el director: “A Lee le gustaba el proyecto y quería el papel de Pike. Verás, Lee y yo nos conocemos desde hace bastante tiempo. Los dos hemos vivido en Malibu y hemos derramado más whisky del que la gente normal puede llegar a beber. Al principio parecía que aquello iba a salir, pero entonces a Lee le ofrecieron un contrato de un puto millón de dólares para hacer La leyenda de la ciudad sin nombre, y él aceptó. Discutimos un poco aquel asunto, y podría decirse que nuestra relación se enfrió un poco”.

Finalmente William Holden, con papeles en su haber que lo abalaban como suficientemente duro, y el también bastante duro, Robert Ryan, entraron en el proyecto. “Con gente así, teníamos todas las de ganar”.

Peckinpah añadió a actores con los que ya había trabajado antes como L. Q. Jones, Strother Martin, Ben Johnson y Warren Oates, y aceptó un poco a regañadientes la inclusión de Ernst Borgnine por parte de Hyman. Posteriormente Peckinpah reconocería: “Ernie resultó ser una de las mejores personas con las que he trabajado”.

Técnicamente la película fue un alarde de medios, llegando a utilizarse hasta seis cámaras para rodar las secuencias de acción, unas a 24 fotogramas por segundo y otras a más velocidad. De esta manera se  facilitaba posteriormente la construcción de los efectos de cámara lenta en la fase de montaje. La fase de montaje tendría ocupados a Lou Lombardo y a Peckinpah dos meses adicionales después de la finalización del rodaje. Algunas escenas requirieron de muchas tomas debido a su enorme complejidad. Por ejemplo la masacre final, que se rodaría durante once días.

Lou Lombardo recuerda la fase de montaje y como desecharon un montón de material: “Cuando terminamos, el film duraba menos de dos horas y media con intermedio. Había 3.642 cortes en la película; más que ninguna otra película en color rodada hasta la fecha. Yo recordaba que Hitchcock, creo, había dicho una vez que, si quieres que una película sea realmente emocionante, tienes que meter muchos cortes. Una película normal no suele tener más de unos 600. Así que, según ese criterio, Grupo salvaje es la película más emocionante de la historia”.

El resultado fue una película grandiosa que obtuvo un éxito notorio. Los estallidos de violencia y la lírica presente en las escenas más tranquilas, afirman el gran talento de Sam Peckinpah y consiguen un western épico con abundantes significados. De todos ellos, me quedo con uno que sigue imperecedero en estos tiempos de amarga crisis: su sentido moral profundamente corrosivo con respecto a la ética oficial de la sociedad contemporánea, ya sea la americana o la del desgastado viejo continente.

Fuentes documentales utilizadas:

Sam Peckinpah. Vida Salvaje. Garner Simmons. Ed. T&B.
Diccionario del Western Clásico. Javier Coma. Ed. P & J.
La gran caravana del Western. Javier Coma. Alianza Editorial.
Cowboy Movie Posters. Bruce Herchenson.

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Llamando a las puertas del cielo.

6 septiembre 2009 at 22:00 (Cine, Cine del Oeste, Historia, Música)

Henry McCarty, más conocido como Billy el niño, con otros alias como William Antrim y William Harrison Bonney, tenía una característica cara aniñada, baja estatura, dientes de conejo. Iba siempre ataviado con sombrero con banda verde

Su primer asesinato lo cometió a los 18 años.  Fue miembro primero y líder después de la banda de los Regulators y se le consideró  responsable de 21 muertes.  Su primer patrón fue John Tunstall, cuyo asesinato supuso la creación de la banda de los Regulators, que comenzó sus andanzas vengando la muerte de Tunstall en el incidente de Lincoln County que años después sería causa de su sentencia a muerte.

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Entabló amistad con el cazador de búfalos y barman Pat Garrett, que una vez convertido en sheriff le capturó. Tras el juicio y la sentencia, Billy escapó de la cárcel una vez más. Pat Garrett siguió persiguiéndole y siguiéndole la pista, fue a casa de un amigo de Billy para sonsacarle. En ese momento Billy apareció sin previo aviso, confiado.  Reparó en Garrett en la penumbra y preguntó quién era. Su amigo Garrett reconoció la voz de Billy y le disparó.

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Muchas han sido las aportaciones del cine a las figuras míticas de Pat Garrett y Billy el niño, pero la más famosa y que ha pasado a la historia del cine con más gloria ha sido la versión de Sam Peckinpah, Pat Garrett & Billy the Kid de 1973.

Sam Peckinpah no había trabajado hacía más de 10 años para la Metro-Goldwyn-Mayer y regresó a este estudio con motivo de la ejecución de un antiguo proyecto archivado y desempolvado en ese momento: Pat Garrett and Billy the Kid.

En 1972 comenzó el rodaje en Durango y sería un rodaje repleto de adversidades, problemas técnicos y de organización que enfrentaron a Peckinpah y a los representantes de la compañía MGMTed Haworth transformó Chupaderos, un antiguo fuerte de Pancho Villa próximo a Durango, en Lincoln y Fort Summer.

Pat Garrett interpretado por James Coburn y Billy the Kid, interpretado por Kris Kristofferson, se encontraban y desencontraban en este film rodeados por un clima de ritual fúnebre que pretendía representar el ocaso de una época, la del salvaje oeste americano repleto de heroicos forajidos libres como el viento, y el nacimiento de otra  época más moderna donde triunfaban los caciques tiránicos y los hipócritas. Una época repleta de perdedores expulsados de la evolución social.

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Pat Garrett and Billy the Kid- Director's Cut, 1991

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Esta película se ha valorado como una obra maestra gracias a la premeditada alternancia de los momentos líricos y los momentos violentos, manejados con la eficacia habitual del maestro Peckinpah.

Jerry Fielding supervisó la música compuesta y ejecutada por Bob Dylan, que además tenía un papel en la película.  Ante la pobreza de la banda sonora inicial, Jerry pidió a Dylan un tema más, que fue Knockin’ in the Heaven’s Door.

Según Fielding lo único aprovechable de la inicial aportación de Bob Dylan era la balada Billy, que se había grabado en la capital de México y que Dylan cantaría al principio y al final de la película.

Knockin’ in the Heaven’s Door fue votada en el 2004, como la canción número 190 por los representantes de la industria de la música y prensa en la revista Rolling Stone como parte de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

También ha formado parte de la banda sonora de otras películas y series de TV al margen de su creación y lanzamiento para  la película de Pekinpah.  Ha sido versionada en varios tiempos y estilos, por varios artistas y a continuación destaco unas versiones que me gustan especialmente.

La banda de los 80, Heaven, en su interpretación para video de Knockin on Heaven’s Door.

Una versión muy conocida de Guns And Roses. Knockin’ on heaven’s door interpretada en directo en el tributo a Freddie Mercury de Queen.

El magnífico Warren Zevon grabando en el estudio, poco antes de su muerte por cáncer, “Knockin’ on Heaven’s Door” con Billy Bob Thorton y otros amigos y que sería uno de los temas de su disco póstumo The Wind.

Knockin’ On Heaven’s Door

Mama, take this badge off of me
I can’t use it anymore.
It’s gettin’ dark, too dark to see
I feel like I’m knockin’ on heaven’s door.

Knock, knock, knockin’ on heaven’s door
Knock, knock, knockin’ on heaven’s door
Knock, knock, knockin’ on heaven’s door
Knock, knock, knockin’ on heaven’s door

Mama, put my guns in the ground
I can’t shoot them anymore.
That long black cloud is comin’ down
I feel like I’m knockin’ on heaven’s door.

Knock, knock, knockin’ on heaven’s door
Knock, knock, knockin’ on heaven’s door
Knock, knock, knockin’ on heaven’s door
Knock, knock, knockin’ on heaven’s door

Mama, clean that blood from my face
I can´t see through it anymore
That long black cloud is comin’ down
I feel like I’m knockin’ on heaven’s door.

Knock, knock, knockin’ on heaven’s door
Knock, knock, knockin’ on heaven’s door
Knock, knock, knockin’ on heaven’s door
Knock, knock, knockin’ on heaven’s door

Copyright ©1973 Ram’s Horn Music

Llamando a las puertas del cielo.

Mujer, quítame esta placa,
Ya no podré usarla más,
Se está haciendo oscuro, demasiado oscuro para ver
Siento como si llamara a las puertas del cielo

Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo
Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo
Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo
Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo

Mujer, entierra mis armas,
Ya no puedo dispararlas más,
Esa gran nube negra está bajando
Siento como si llamara a las puertas del cielo

Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo
Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo
Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo
Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo

Mujer, límpiame la sangre de la cara
No puedo ver a través de ella
Esa gran nube negra está bajando
Siento como si llamara a las puertas del cielo

Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo
Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo
Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo
Llamo, llamo, llamo a las puertas del cielo

Fuentes documentales utilizadas:

Diccionario del Western Clásico. Javier Coma. Ed. P & J.
La gran caravana del Western. Javier Coma. Alianza Editorial.
Letras Bob Dylan. Celeste Ediciones.

 

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¡Piezas de a Ocho! (II)

4 julio 2009 at 22:00 (¡Piezas de a Ocho!, Cine, Cine del Oeste, Ficcion-Fantástico, Guadalajara, Música, Pintura, Premios)

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Tras el acalorado y breve garbeo por las tierras de Homero y tras la estancia en un barco más pirata que el mio por las islas del Egeo, mientras me aclimato al cálido verano que me queda por delante sin navegar, he encontrado en uno de mis baules escondidos unas cuantas piezas de a ocho que merece la pena gastar en ron con vosotros.

premio_lemonade_blogEn primer lugar, para refrescar el ambiente y para que el Ron pase bien por estos resecos gaznates, una pieza de a ocho en forma de premio de buen sabor que me otorgaron hace tiempo y que guardaba para estos tiempos de calor resecante: El premio Lemonade.  Este premio me lo mandó bien fresquito mi amigo Carlos desde su blog   Mis obsesiones…

Para que no pasen sed este verano bochornoso, yo les mando esta limonada bien fría con un chorro del legendario buen ron jamaicano a los blogs de mis amigos de Guadalajara, puerto obligado mesetario castellano, que nombro a continuación:  Suuuperpatri!!!La Bitácora de Javi, Iribú, Ponga un mostrenco en su vida, a la Protectora de animales La Camada, al blog filosófico de mi amigo ManoloBandera Blanca, y al Cine Club Alcarreño.

¡A vuestra salud y beber bien fresca esta limonada antes de que se evapore el ron!

Hace ya tiempo publiqué una entrada acerca de lo que se estaba preparando al otro lado del espejo, para el año 2010, en una entrada titulada Alice 2010.  Para grata sorpresa, he podido recolectar una nueva pieza de a ocho en la página LavonDyss y he podido ver algunas fotos magníficas relativas a la producción que prepara sobre Alicia el cineasta Tim Burton.

La película se estrenará el año que viene y Johnny Deep interpreta el papel del sombrerero loco. Las fotos de producción recuerdan bastante a imágenes del juego Alice de American Mcgee para alegría de todos los seguidores de dicho juego y de los amantes de la imagen más adulta y tétrica que emana Alicia y su país de las maravillas en él.

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No podía faltar una pieza de a ocho musical, como de costumbre de oro puro. En esta ocasión el “Hit the Road, Jack“. Canción escrita por el artista de R&B Percy Mayfield, e interpretada por Ray Charles.

Esta canción llegó al numero 1 de la lista de ventas en el año 1961 y es un diálogo entre Ray Charles y sus Raylettes, el coro femenino liderado por Marjorie Hendricks.

Ella: Agarra la carretera, Jack. Y no vuelvas más. No más, no más…
El: Mujer, mujer. No me trates tan mal. Eres la peor mujer que haya visto nunca. Imagino que si tú lo dices, tendré que empaquetar mis cosas y marcharme.
Ella: Agarra la carretera, Jack. Y no vuelvas más. No más, no más…
El: Escucha mujer. No me trates así. Algún día volveré por mi propio pie.
Ella: No me importa si lo haces. Porque está claro, no tienes dinero, no interesas.

Hit the Road, Jack. Compositor Percy Mayfield, Intérprete  Ray Charles.

Hit the road, Jack
And don’t you come back no more, no more, no more, no more
Hit the road, Jack
And don’t you come back no more
(What you say?)
Hit the road, Jack
And don’t you come back no more, no more, no more, no more
Hit the road, Jack
And don’t you come back no more
Oh, Woman, oh woman, don’t treat me so mean
You’re the meanest woman that I’ve ever seen
I guess if you say so
I’ll have to pack my things and go
(That’s right)
Hit the road, Jack
And don’t you come back no more, no more, no more, no more
Hit the road, Jack
And don’t you come back no more
(What you say?)
Hit the road, Jack
And don’t you come back no more, no more, no more, no more
Hit the road, Jack
And don’t you come back no more
Now baby, listen, baby, don’t you treat me this way
Cause I’ll be back on my feet some day
Don’t care if you do ‘cause it’s understood
You ain’t got no money you just ain’t no good
Well, I guess if you say so
I’ll have to pack my things and go
(That’s right)
Hit the road, Jack
And don’t you come back no more, no more, no more, no more
Hit the road, Jack
And don’t you come back no more
Hit the road, Jack and don’t you come back no more, no more, no more, no more
Hit the road, Jack and don’t you come back no more
(What you say?)
Hit the road, Jack and don’t you come back no more, no more, no more, no more
Hit the road, Jack and don’t you come back no more
(Don’t you come back no more)
(Don’t you come back no more)
(Don’t you come back no more)
(Don’t you come back no more)
Well
(Don’t you come back no more)
Uh, what you say?
(Don’t you come back no more)
I didn’t understand you!
(Don’t you come back no more)
You can’t mean that!
(Don’t you come back no more)
Oh, now baby, please!
(Don’t you come back no more)
What you tryin’ to do to me?
(Don’t you come back no more)
Oh, don’t treat me like that!
(Don’t you come back no more)

La cuarta pieza de a ocho de hoy es también de oro hiperrealista. Desde Guadalajara y el blog Suuuperpatri se publica un interesante artículo sobre el pintor Antonio López y su realismo mágico.  Particularmente me encanta este pintor y la colaboración con Victor Erice en 1991 es simplemente genial. No me extraña lo más mínimo la alta cotización a la que llegan sus cuadros en las casas de subastas.

Esta quinta pieza de a ocho que sigue me la he gastado esta tarde delante de la caja tonta, y ha merecido la pena, aunque suene raro.  He vuelto a ver, no se si por tercera o cuarta vez, la película The Tall Men (Los Implacables), de Raoul Walsh.  Fue estrenada en 1955 con un cartel de lujo encabezado por Clark Gable, Robert Ryan y Jane Russell.

En este western, quizás uno de los mejores de Walsh, destaca una característica ironía e inteligente sorna que, por ejemplo, queda de manifiesto en la frase de Ben Allison (Clark Gable), cuando al principio del film, al llegar a las inmediaciones de la ciudad, ve un ahorcado en el camino: “Looks like we’re getting close to civilization” (Parece que estamos llegando a la civilización).

El guión contiene unos diálogos excelentes y una sucesión eficaz de enfrentamientos con indios, bandas de forajidos, drama, erotismo y buen sentido del humor. La banda sonora de Victor Young es también magnífica y el film contiene buenas canciones, algunas cantadas de forma sugerente y sensual por la rotunda Nella Turner (Jane Russell).

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La grandeza del Cinemascope adaptado a un western en el que sus exteriores son determinantes para la historia que describen sus personajes y la espléndida fotografía de Leo Tover –uno de los expertos en el color de la 20th Century Fox-, logran alcanzar una espectacularidad y un cromatismo que potencia las intenciones de Walsh.

Película imprescindible, incluso para los que no gustan de películas del oeste.

Y para finalizar, una sexta y última pieza de a ocho, breve, pero no por ello carente de gran valor.  Pieza de oro para los oidos es este tema: Angel, del grupo Utah Carol, corte de su segundo disco Comfort For The Traveler” del año 2002, repleto de otras sugerentes canciones.

Con su estilo folk azucarado, este matrimonio de músicos de Chicago, consiguen con este modesto disco transmitir un relax al viajero que a veces es muy necesario.

Este atmosférico corto con fotografías y pinturas originales está realizado por Eun-Ha Paek de  Milkyelephant.com para Utah Carol.  

Disfrutar del confor que transmiten los dibujos y la canción… Angel.



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Aquel Pistolero de Cheyenne.

20 mayo 2009 at 22:00 (Cine, Cine del Oeste, Literatura, Mis Mitos del Cine, Novela)

George Stevens escogió un lugar para el rodaje de Shane (Raíces profundas), que no hubiera sido utilizado antes para ninguna otra película del Oeste, este lugar se llamaba Jackson Hole en Wyoming, con los Grand Tetons erguidos en el horizonte, y allí hizo construir de forma minuciosa los edificios requeridos para la acción de la película. Para ello se baso en los cuadros de Charles M. Russell, caracterizados por su realismo hasta en los menores detalles y en las fotografías de William Henry Jackson.

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Posteriormente, un dibujante especializado en el mundo del Oeste, Joe De Young, elaboró los bocetos previos de visualización para el rodaje de cada secuencia. Las secuencias fueron rodadas desde diferentes  ángulos y con múltiples encuadres también diferentes. Al final, el estilo definitivo de esta película nació en la sala de montaje.

Basada en una novela de Jack Schaefer escrita en 1949, y adaptada por el guionista Alfred Bertram Guthrie, que había sido galardonado con un Pulitzer recientemente, se consiguió un lenguaje narrativo especial en Shane. Éste obedecía al punto de vista del niño Joey Starret (Brandon De Wilde), de forma que a través de su visión se encauzaban las tonalidades líricas del film.  Este ángulo narrativo a partir del pequeño Joey, estaba presente en la novela, donde, por medio del relato en primera persona, era mucho más explícito.

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Este magistral clásico del cine del Oeste mostraba al hastiado, errante y solitario pistolero, de oscuro pasado y noble actitud,  Shane (Alan Ladd), llegar a una granja en la que viven los Starretts (Jean Arthur y Van Heflin) junto a su joven hijo (Brandon De Wilde). Pero el matrimonio de granjeros se encuentra en dificultades, pues el ambicioso terrateniente del lugar, Rufus Ryker (Emile Meyer), anhela hacerse con sus tierras al igual que con las de sus vecinos.

A partir de ahora, cuando nos peleemos, quedará en el aire un olor a pólvora”.

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Cuando Shane da buena cuenta de un matón a su servicio, Ryker intenta contratarlo, pero ante su negativa ordena enviar a buscar a Cheyenne a un peligroso pistolero, asesino a sueldo, Jack Wilson, interpretado por Jack Palance.

Sombrero y guantes negros, chaleco y pañuelo oscuros, pantalón marrón, camisa blanca, espuelas brillantes y dos colts de culata blanca. La elegancia inquietante del mal. La encarnación prototípica del villano en los márgenes del western.

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Este papel de Jack Palance siempre será recordado por la psicología con la que impregnó a su personaje de Jack Wilson, un pistolero callado, de semblante hosco y mirada llameante. Un personaje que huele a pólvora.

Jack Wilson: I guess they named a lot of that Southern trash after old Stonewall.
Frank “Stonewall” Torrey: Who’d they name you after? Or do you know?
Jack Wilson: I’m saying that Stonewall Jackson was trash himself. Him and Lee and all the rest of them rebs. You, too.
Frank “Stonewall” Torrey: You’re a low-down lyin’ Yankee!
Jack Wilson: Prove it.

Con la muerte del campesino sudista Frank Stonewall Torrey (interpretado por Elisha Cook Jr.), primera víctima de Wilson, el otro pistolero, también taciturno y de oscuro pasado, Shane, tendrá que volver a empuñar el revólver que había prometido no volver a usar. “Uno no puede dejar de ser lo que es”, sentenciará después.

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Shane: So you’re Jack Wilson.
Jack Wilson: What’s that mean to you, Shane?
Shane: I’ve heard about you.
Jack Wilson: What have you heard, Shane?
Shane: I’ve heard that you’re a low-down Yankee liar.
Jack Wilson: Prove it.

El asesino granítico interpretado por Palance, es la otra cara de la moneda del personaje de Alan Ladd.  Uno de los pistoleros pugna por olvidar su condición y el otro sobrevive gracias a ella.

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El modelo utilizado en Shane, seguiría en westerns posteriores, como El dorado (1966), con John Wayne y Christopher George.  Y la película de Clint Eastwood, El jinete pálido (1985) siguiendo también el modelo iniciado por Shane y al que hace múltiples guiños.

Nuestro granítico pistolero de Cheyenne era americano de padres inmigrantes ucranianos.  Jack Palance (Vladymir Ivanovich Palahniuk) se hizo célebre por sus papeles de villano, al interpretar personajes duros, malos o psicópatas.

Hijo de un minero de extracción, a fines de la década de 1930 se lanza bajo el seudónimo de Jack Brazzo a una carrera en el boxeo profesional que le deparó varios éxitos: además de ganar sus primeras 15 peleas, 12 de ellas por nocaut, logra un palmarés de 18 triunfos en 20 combates. Los golpes en el boxeo desfiguraron su rostro.

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Palance dejó el boxeo profesional para ingresar en las fuerzas armadas en los primeros años de la década de 1940. Participó en la Segunda Guerra Mundial donde su rostro fue dañado nuevamente al estallar en el aire el bombardero en que iba. Fue intervenido en una serie de cirugías reconstructivas.

Se licenció en California en arte dramático en 1949. Antes de encontrar sus grandes oportunidades como actor, Palance trabajó desde vendedor de helados, profesor de natación, guardaespaldas e incluso periodista. Hasta que sube a las tablas de Broadway y un día lo descubre el director Elia Kazan, quien quedó impresionado por “un rostro que solo una madre podría amar”. El rostro angulado y la barbilla marcada le daban a Palance un aire misterioso con el cual era capaz de erizar la piel con su mirada fija.

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En 1950 debutó en el cine gracias a su participación en la película de Elia Kazan,Pánico en las calles“, un título negro que protagonizaba Richard Widmark. Con este actor volvió a aparecer en el mismo año en “Situación desesperada“,  una película bélica filmada por Lewis Milestone.

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En la década de los 50 consiguió dos nominaciones como mejor actor secundario en dos años consecutivos. La primera fue por “Sudden fear” (Miedo súbito) en 1952, un thriller de David Miller que co-protagonizaban Joan Crawford y Gloria Grahame, y la segunda por la película Shane (Raíces profundas) en 1953.

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Posteriormente intervino en otros muchos Films, westerns, películas para TV y series de TV, casi siempre de tipo duro o de villano. Podemos destacar:  “Atila, rey de los hunos” de Douglas Sirk (1954); “El cáliz de plata“, de  Victor Saville (1955), “El hombre solitario” (1956) de Henry Levin, o “The Big Knife” (1955) y “Attack!” (1956), ambas películas dirigidas por Robert Aldrich.

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En los años 60 trabajó principalmente en Europa, pero estuvo en contacto con la industria de Hollywood para la que interpretaría “Barrabás” (1962) de Richard Fleischer, “Los profesionales” (1966), de Richard Brooks, o “Che!” (1969), un título de Fleischer en el que Palance encarnaba a Fidel Castro.

Dentro de su periplo europeo apareció en películas como “Austerlitz” (1960) de Abel Gance, “Los Mongoles” (1961) de André de Toth, “Las Vegas, 500 millones” (1968) de Antonio Isasi-Isasmendi, o “Salario para matar” (1968), de Sergio Corbucci. Pero uno de sus trabajos más reconocidos en el viejo continente es “El desprecio” (1963), un film dirigido por el francés Jean-Luc Godard y que, en el papel de productor cinematográfico, le emparejó con Fritz Lang (interpretando al director), con Michel Piccoli (el guionista) y con Brigitte Bardot (la mujer de Piccoli).

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Durante la década de los años 1970 atravesó un periodo difícil por haberle dado la espalda a numerosos proyectos de Hollywood, a quien no perdonaba haberlo encasillado en papeles de villano y trabajó principalmente en filmes europeos, incluyendo varios spagetty western, algunas películas de terror de serie B y algunos peplum italianos. También es muy destacable de esta época su serie para TV interpretando a Drácula.

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Tras varias producciones italianas poco destacadas, Palance tuvo un regreso notable con la deliciosa Bagdad Café de Percy Adlon en 1987 y con Batman de Tim Burton en 1988.

En 1991 co-protagonizó junto a Billy Crystal, la comedia “Cowboys de ciudad“, que le hizo ganar el Oscar al mejor actor secundario.

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A pesar de las últimas risas y sonrisas que Jack Palance nos causó con sus últimos grandes papeles, a pesar de haber sido un poeta publicado y un sensible pintor, nunca olvidaremos su inmisericorde altanería, su mirada arrogante y su gesto brutal en Shane

Venía de Cheyenne y era un villano muy peligroso.

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Fuentes documentales utilizadas:

Nosferatu. Revista de Cine. Nº 27.  Artículo de Quim Casas.
Diccionario del Western Clásico. Javier Coma. Ed. P & J.
La gran caravana del Western. Javier Coma. Alianza Editorial.

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