La Ruta del Tabaco

14 enero 2011 at 22:00 (Cine, Comedia, Erotismo, Ilustración, Literatura, Novela, Publicidad, Teatro) (, , , , , , , , , , , , , , , )

Últimamente se oye hablar mucho acerca de la ley anti-tabaco.  La prohibición ha llegado a bares, cafeterías, pubs y discotecas, y los no fumadores están contentos. Los fumadores sin embargo no lo estamos tanto, pero, ¡qué remedio!   La ley es la ley y una vez más el sistema aboga por los derechos de la mayoría saludable arremetiendo contra  esa minoría de irresponsables autodestructivos.  ¡Así no contaminaremos el aire común a respirar!

Yo, como fumador, comprendo la medida, y entiendo la alegría de los no fumadores, pero no entiendo las posturas radicales promovidas por algunas asociaciones anti-tabaco, que animan para que haya denuncias contra algunos lugares por su permisividad, o contra algunos ciudadanos (que sí, que también los fumadores lo son) por su despiste o desacuerdo. Así, veo a algunas asociaciones de no fumadores que, sinceramente, me parecen de otro tiempo. Algunas me recuerdan a las ligas antialcohólicas santurronas de los USA que promovieron La Ley Seca, aquella  que hizo ricos a algunos gánsteres americanos.

Tampoco aguanto ver a la ministra de sanidad, ponerse chula recordando las normativas acerca de los clubs de fumadores, que parece que podría ser una solución para algunos sitios que quieren seguir dejando fumar en sus recintos a parte de su clientela. Hay que fastidiarse, como a la gente mediocre, el tener poder le da alas.

Pero no voy a entrar en polémicas. Ya me he acostumbrado a la situación, aunque imagino que otros no se adaptan o no quieren adaptarse y entiendo que se cabreen o protesten. Creo que hay otras cosas más importantes por las que preocuparse, como la crisis, el desempleo o la podredumbre que rodea al desgastado sistema capitalista y la basura que rodea a los políticos, meras marionetas del capital y los mercados.

NO nos pongamos demasiado profundos. Sirva esta disertación introductoria, simplemente, para recordar unos cuantos carteles que ahora están prohibidos, pero que en su momento sirvieron para entrar por los ojos y vender al personal esta droga legal cada vez más perseguida.

Al final de la galería seguiremos con más sorpresas en la senda del tabaco.

Como habréis visto, Hollywood se volcó con la industria del tabaco, y muchas estrellas pusieron su rostro y sus bocanadas de humo al servicio de la publicidad.

Otro empedernido fumador de pipa, facturaría en 1941, una película en la que apenas se echa humo, si excluimos el de los malogrados coches que caen en manos de la enloquecida familia Lester. Y eso que el título hace referencia a una ruta que conoció mejores tiempos, la ruta del tabaco en el profundo sur americano de Georgia. (Tobacco Road).

Con un argumento basado en la novela de Erskine Caldwell y en la adaptación para Broadway de Jack Kirkland, Tobacco Road se considera por muchos expertos como la única cinta fallida de John Ford de aquel periodo. Desde luego, si se compara con las dos películas del año anterior, Hombres intrépidos (1940) y Las uvas de la ira (1940), o con la siguiente, ¡Qué verde era mi valle! (1941), verdaderas obras maestras todas ellas, nos encontramos con una comedia estridente, repleta de slapstick, himnos religiosos y humor gamberro, en la que Ford intenta retratar el profundo sur de la ruta del tabaco enmarcado en la época de crisis de la Gran depresión americana, incluyendo a los paletos incultos que por allí sobreviven.

La película nació marcada por el enorme éxito de la obra de teatro y de la novela, y por las exigencias de la censura. John Ford no había visto la obra y no sabía nada de poblados sureños miserables.

Para el guionista del film, Nunnally Johnson, el problema estuvo en el desacuerdo entre Ford y los personajes. Afirma Johnson que el director le dio un montón de irlandeses salvajes que nada tenían que ver con los paletos sureños que se pretendía retratar. Como Ford no sabía nada de paletos del Sur, y sí sabía mucho de irlandeses, los convirtió a todos en irlandeses, ya que para él un paleto inculto de clase baja y un irlandés inculto de clase baja eran idénticos.

Destaca la excelente fotografía en blanco y negro y una infinidad particularmente hermosa de grises.

El tono de la película cambia de escena en escena, sucediéndose el tono elegiaco y los gags de forma continua.

Muy destacables también las excelentes interpretaciones de Charley Grapewin en el papel de Jester Lester y de la hermosa, a pesar de los censores, explosiva y aquí aparentemente inocente, Gene Tierney, que rebosa sexualidad en todas sus apariciones.

A pesar de las malas críticas y el fracaso total que supuso esta adaptación, esta obra menor de Ford, a mí particularmente me encanta.

Lo entrañable del optimismo irreal que finalmente repunta, aunque sea solo un sueño pasajero, sobre la miseria y la ignorancia. El retrato de ese  sur americano que poco o nada tiene que ver con el de Lo que el viento se llevó, la visión de la crisis en la que están sumidos sus personajes o la presentación de las dualidades entre la religión y la ignorancia o la mansedumbre aborregada, la miseria y los inmisericordes bancos, la pereza y el hambre, el sexo y todo lo demás.



Si a todo esto, le añadimos alguna de las tonadas gospel de la Hermana Bessie y la bocina alocada de Dude Lester, no lo dudéis, la diversión estará asegurada en la ruta del tabaco, donde está prohibido fumar, hasta los títulos de crédito.

Fuentes documentales utilizadas:

John Ford. Filmografía completa. Scott Eyman / Paul Duncan (Ed.) TASCHEN.
La vida y época de John Ford. Scott Eyman. T&B Editores.

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Piezas de a Ocho (X)

8 mayo 2010 at 22:00 (¡Piezas de a Ocho!, Cine, Ilustración, Literatura, Música, Pintura, Teatro)

En este barco nos gusta darnos, de vez en cuando, un homenaje gastronómico. Incluso tumbados en el jergón y rodeados de perlas y otras piedras preciosas, nos deleitamos con las exquisiteces que nos prepara nuestro cocinero chino, que aunque tuerto y con pata de palo, tiene una mano para la cocina que no veas.

Y entre tantas delicatesen  finamente cocinadas vamos a empezar con una con sabor añejo.

Todo el mundo habrá podido comprobar mi gran admiración por Edgar Allan Poe a través de varios de los post que sobre él o su obra ya he publicado, desde su poema El cuervo (The Raven), pasando por la interpretación cinematográfica de algunas de sus historias.

Esta deliciosa primera pieza de a ocho consiste en un magnífico corto de animación de 1953 basado en el cuento “El corazón delator” (Tell Tale Heart) que también en esta ocasión tiene un narrador de lujo. Ni más ni menos que el actor  James Mason.

Es una producción de la UPA y fue el primer corto de animación clasificado como “X” (sólo adultos) en Gran Bretaña según el sistema de clasificación de censores de la época.  Todo un lujoso aperitivo para hacer boca.

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Como no podía ser menos, nos satisface deleitarnos contando historias mientras comemos. Las interpretamos como si volviéramos a vivirlas, recordando viejos tiempos y rememorando como conseguimos tal o cual pieza valiosa.

Esta pieza de ahora, llega de Argentina. Un amigo actor de allí, Sherman Torres, a raíz de leer en este jergón el artículo dedicado al hombre de las mil caras, me escribió indicando que estaban interpretando en el teatro Gargantúa de Buenos Aires, una obra basada en la vida de ese gran actor.

La obra se titula Mundomudo de Carlos Belloso y es un homenaje al actor estadounidense Lon Chaney. Al parecer ha tenido un gran éxito y nos encantaría que viniera a España un día de estos y que pudiéramos disfrutarla pronto por aquí.

La dificultad no es ser mudo, es no poder decir

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Las exquisitas piezas siguientes son para disfrutarlas sosegadamente, mientras tomamos un trago de ron entre plato y plato y deleitamos nuestros restantes sentidos.

Recientemente se ha inaugurado una exposición de Maite Marina en el Metrópolis Café de Guadalajara, titulada Derivas gráficas.

La obra de Maite incide y excita nuestros sentidos visuales con diversos cuadros sugerentes realizados mediante varias técnicas artísticas entre las que destacan las serigrafías.

Una magnífica idea, si pasas por Guadalajara, es acercarse al Metrópolis Café, donde de paso, escucharás la mejor música que se pone en la ciudad, saborearás una buena cerveza, un quinto o un copazo directamente,  y a disfrutar también de esta exposición.

Mi amigo Carlos en su blog Mis Obsesiones, nos descubre a un ilustrador y dibujante madrileño a la antigua usanza: Alberto Cabornero.

A Alberto ya le conocía algo a través de su blog Mis galgas, yo y the ruby slippers pero estas ilustraciones y el descubrir su otro blog homónimo: Alberto Cabornero, más dedicado a su faceta de ilustrador, me ha traído recuerdos de otros tiempos y también más ganas de dibujar.  Muy recomendable.

Aprovecho este espacio para dorar un poco mi vanidad y de paso recordar un blog también muy interesante, donde numerosos artistas y poetas van publicando sus trabajos e inspiraciones.

El blog es Proyecto Placeres y recientemente han publicado un dibujo mío ilustrando un poema de mi amiga María José Vioque y que se titula Moscas.

Vanitas vanitatis et omnia vanitas.

Volviendo a los cortos de animación, descubrí éste, de un tema de Kid Koala, que nos transporta a Nueva Orleans y que tiene un fuerte sabor a jazz. De paso me descubrió a otro dibujante y animador con un estilo bastante interesante.

Este video fue realizado por el dibujante Monkmus para la canción  “Basin Street Blues” del álbum “Some Of My Best Friends are DJs

Apurando el último traguillo, una pieza de elegante fotografía. Recientemente he podido alucinar con unas fotos panorámicas de Toledo que recomiendo que visitéis aquí. Otros sitios están también disponibles. Cuidado con los mareos.

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Para finalizar este banquete de delicatesen, un postre acompañado de la mejor música.

En primer lugar un enjoyado recordatorio para Alex Chilton que recientemente nos abandonó en este planeta.

Alex Chilton es uno de los grandes músicos de culto de las últimas cuatro décadas en la escena del rock.  Siempre le recordaremos por su power-pop, tanto en solitario como en The Box Tops y, sobre todo, en los Big Star.

Me ha gustado mucho el artículo que ha dedicado el blog de Chuck Prophet a Alex Chilton, así que recomiendo su lectura y de paso la visita al blog de Chuck, otro muy buen rockero.

The Apples in stereo siguen girando y presentando su séptimo disco  de estudio, Travellers in Space and Time, realizado via Yep Roc / Simian / Elephant 6 Records.

Este video de la canción “Dance Floor” es muy colorido y futurista. Es su primer single  e incluye la participación de Elijah Wood

Peggy Sue son Katy Young y Rosa Slade, junto con el batería Olly Joyce.

Con su mezcla minimalista de tambores y percusión, guitarras acústicas y acordeón, hacen un tipo de power folk que la verdad, me gusta bastante.  Muy recomendable su disco: Fossils and Other Phantoms

Uno de los grupos más prometedores del Reino Unido.

Y acabamos con Paul Weller. Todo un veterano con una carrera sin precedentes, caracterizada por la constante experimentación musical.

Su nuevo álbum “Wake Up the Nación”  no deja de lado este afán investigador.

28 años después de la disolución de The Jam, el ex bajista Bruce Foxton colabora también en este último trabajo de Paul Weller, tocando en dos de las pistas.

El álbum también ve las contribuciones de My Bloody Valentine, Kevin Shields, Bev Bevan de ELO y el legendario batería de sesión Clem Cattini.


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Las reglas de oro para una comedia de éxito.

10 octubre 2009 at 22:00 (Cine, Comedia, Literatura, Teatro)

En la actualidad no se realizan comedias como las de antes, los guiones de las escasas comedias que se estrenan harían sonrojar a cualquier ayudante del departamento de guiones de uno de los viejos estudios de Hollywood.  Por lo general estas nuevas comedias son poco ingeniosas, a pesar de que estén algunas repletas de efectos especiales, son repetitivas, de un humor facilón y desde luego nada sofisticadas, cuando no auténticamente zafias.

Nada que ver con la conocida como comedia clásica americana. Este género tiene aún muchos adeptos y es uno de los más queridos por el público, y en general ha envejecido muy bien, teniendo en cuenta que estamos hablando de películas que se rodaron durante la edad dorada de Hollywood, es decir, en los años treinta, cuarenta, cincuenta y primera mitad de los sesenta.

En aquellas películas todo es sofisticación y glamour, los ambientes suelen ser de los más selectos y en ellos suelen ocurrir acontecimientos originales y divertidos.  Los personajes son agradables, visten elegantemente y suelen tener un encanto y una personalidad arrolladora, aunque sean unos pillos o unos sinvergüenzas de guante blanco.

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Entre smokings, clubs nocturnos, cruceros de lujo, grandes hoteles, champán, whisky y Martini el humor que se desgrana en estas películas es exquisito y los diálogos suelen tener una extraordinaria agudeza donde la vulgaridad no tiene cabida.

Si alguien definió y llevó a la cima la llamada comedia clásica americana que se desarrolló durante esos años, ese fue Preston Sturges.

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Preston Sturges definiría las reglas de oro para una comedia de éxito que aplicarían con muy buen tino muchos de los maestros de ingenio superior de la comedia americana como Ernst Lubitsch, Billy Wilder, Ben Hetch, Charles Bracket, Mitchell Leisen, Garson Canin, Frank Capra, Rene Clair, Charles Chaplin, Howard Hawks o el propio Sturges.

Las reglas que había que seguir eran estas:

Una chica bonita es mejor que una fea.
Una pierna, mejor que un brazo.
Un dormitorio, mejor que una sala de estar.
Una llegada, mejor que una partida.
Un nacimiento, mejor que una muerte.
Una persecución, mejor que una charla.
Un perro, mejor que un paisaje.
Un gatito, mejor que un perro.
Un bebé, mejor que un gatito.
Un beso, mejor que un bebé.
Y una buena caída, mejor que ninguna otra cosa.

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Este hombre lanzó además una idea revolucionaria en su época, consistente en defender que los guionistas podían dirigir sus propias creaciones.

Esta idea se convirtió en un reto para él y demostró sobradamente que era posible en la década de los años 40, donde desarrollaría toda su carrera como director tras haber trabajado en multitud de guiones para, entre otros, Mitchell Leisen y Willian Wyler.

Su primer guión para la comedia fue The Good Fairy (Una chica angelical) basada en un éxito teatral de Ferenc Molnar y que se había estrenado en Broadway en 1931.  La Universal le había encargado este guión después de que hubieran quedado impresionados dos años atrás con el guión de “The Power and the Glory” (El poder y la gloria) que se dice que sirvió de inspiración a Orson Welles para su Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941).

Willian Wyler no era muy dado a la comedia pero Una chica angelical, estrenada en 1935, le salió tan redonda gracias al ingenioso guión de Sturges, que a partir de este primer guión cómico, seguiría escribiéndolos.

Uno de los guiones más celebres de todos los que llegó a escribir Preston Sturges antes de dedicarse de lleno a la dirección sería el de Easy Living (Una chica afortunada) que dirigiría Mitchell Leisen en 1937 con Jean Arthur y Ray Milland como principales protagonistas.  Una típica comedia de los años treinta, llena de ingenio, humor, slapstick, decorados lujosos, buenas interpretaciones y algo de crítica social.

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Sturges se quejaba siempre de que los directores retocaban sus guiones y eliminaban a veces algunas de las mejores ideas en el montaje final, así que decidió dirigir sus propios guiones. Intentó convencer a la Paramount de que le dejasen dirigir su siguiente guión “Así paga el diablo” (The Great McGinty, 1940), una sátira sobre la corrupción política. Como el estudio se resistía les propuso un trato: haría la película cobrando un dólar y con bajo presupuesto, pero si resultaba un éxito, en adelante dirigiría sus guionesEl estudio aceptó a regañadientes y Sturges ganó la apuesta.

Esto le permitió despegar y dirigir en los cuatro años siguientes, nada menos que ocho guiones propios.

El primer filme que dirigiría tras ganar su apuesta, es la memorable comedia Navidades en julio (Christmas in July, 1940), con un ritmo sobresaliente, no resulta tan alocada como las tres siguientes películas que darían su gran fama a Sturges, pero a cambio tiene un elemento que no se utiliza tanto en las películas siguientes: la ternura al estilo Capra.

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Todas las películas de estos años fueron una extraordinaria mezcla de sofisticación y slapstick, de humor verbal y visual, introduciendo el realismo y la sátira en la comedia como antes no se había hecho.

El argumento de Las tres noches de Eva (The Lady Eve, 1941), contiene bastantes experiencias vividas por Sturges. Por lo visto su madre se casó varias veces y siempre estaba dispuesta a un nuevo matrimonio con tal de seguir con el tren de vida al que ella y su hijo estaban acostumbrados. Poseía negocios de cosméticos y siempre se movía con Preston en ambientes de la alta sociedad, viendo qué podían sacar de aquellos privilegiados.

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La protagonista femenina, interpretada por una maravillosa Barbara Stanwyck, tenía mucho de la madre de Sturges, y como buena timadora , se propondrá engatusar al despistado,  rico heredero y ofidiólogo interpretado por Henry Fonda, para, con ayuda de su tramposo padre interpretado magistralmente por Charles Coburn, sacarle hasta el último centavo.

Jean Harrington (Barbara Stanwyck): I need him like the axe needs the turkey.
“Colonel” Harrington (Charles Coburn): Don’t be vulgar, Jean. Let us be crooked, but never common.

El soberbio sinvergüenza del “coronel”, al principio de la película, sentencia esta frase que se convertirá en clásica: “Podemos ser malhechores, pero nunca vulgares”.

The Lady Eve significaría la consagración definitiva de Sturges y la primera de su famosa trilogía compuesta por Los Viajes de Sullivan (Sullivan’s Travels, 1941),  y  Un marido rico (The Palm Beach Story, 1942).

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En Las tres noches de Eva, se explota el gag visual a conciencia, incluyendo las numerosas y divertidas caídas de Henry Fonda y con las que el director pone en práctica la más importante  de sus famosas reglas de oro. Todo el filme está repleto de humor inteligente que hizo que el público y la crítica sucumbieran a la diversión y que se recaudase mucho dinero para el estudio.

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Con Los viajes de Sullivan (Sullivan’s Travels, 1941), Preston Sturges rendiría un sentido homenaje al cine en general y a la comedia en particular. Un tributo al cine como entretenimiento, sin complicaciones ni mensajes, al cine popular. Pero lo cierto es que Los viajes de Sullivan sí tiene mensaje, y es que pretende transmitir lo importantes que son las películas “sin mensaje”.  Es una crítica a los filmes con pretensiones, que proclamándose realistas se centran en la parte más sórdida de la vida, olvidándose de la diversión y de la risa.

Decía Preston Sturges:Después de ver un par de películas de algunos de mis colegas directores de comedias, que parecían haber abandonado la diversión por el mensaje, escribí Los viajes de Sullivan para satisfacer mi deseo de decirles que se estaban poniendo un poco profundos y que dejaran los sermones para los predicadores”.

Sullivan: This picture is an ANSWER to Communists. It shows we’re awake and not dunking our heads in the sand, like a bunch of ostriches. I want this picture to be a commentary on modern conditions, stark realism, the problems that confront the average man.
Mr. Lebrand: But with a little sex.
Sullivan: A little, but I don’t want to stress it. I want this picture to be a document. I want to hold a mirror up to life. I want this to be a picture of dignity, a true canvas of the suffering of humanity.
Mr. Lebrand: But with a little sex.
Sullivan: (resigned) With a little sex in it.

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Parece mentira que Sturges pudiera dirigir esta obra maestra, de una madurez narrativa al más alto nivel, tras haber realizado en el mismo año The Lady Eve y que encima tuviera tiempo de preparar Un marido rico para el año siguiente.  En toda la historia de Hollywood no se recuerda una condensación creativa tan enorme.

Esta película contiene cine dentro del cine, homenajes a Charles Chaplin, a Walt Disney y a los dibujos animados, a las películas de presidiarios que tuvieron tanta fama en los años 30, contiene persecuciones trepidantes y super-divertidas y algunas escenas que por sí solas bastarían para inmortalizar a un director.

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Los actores principales,  Joel McCrea, con una importante carrera a sus espaldas,  y Veronica Lake, símbolo indiscutible del glamour y de la fascinación hollywoodiense en su primer filme como protagonista, encajan perfectamente en esta película que a pesar de criticar a las películas con moraleja contiene una contundente: “La risa es lo único que tienen algunos. No es mucho, pero es todo lo que tienen”.

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Un marido rico (The Palm Beach Story, 1942), sería la última de las tres obras maestras que Preston Sturges rodó en tan sólo dos años.  Esta película se basaría sobre todo en golpes de ingenioso diálogo, en ingeniosas frases acompañadas de efectivos giros de argumento y en la total falta de moralidad y ausencia de lógica en las actuaciones de los personajes.

Con un argumento totalmente delirante, servirá este filme para el lucimiento de Joel McCrea de nuevo, emparejado en esta ocasión con una exquisita  Claudette Colbert y con secundarios de lujo de la talla de Mary Astor.

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Sturges fue el descubridor del cómico Eddie Bracken con el que filmó dos espléndidas sátiras; El milagro de Morgan’s Creek (The Miracle of Morgan’s Creek, 1944)  y  Salve, héroe victorioso (Hail The Conquering Hero, 1944), que le planteo  algunos problemas con la Paramount por su fuerte carga antimilitarista en plena II Guerra Mundial.

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Abandona el estudio y tras una breve asociación con el multimillonario Howard Hughes y después de rodar con bastante libertad la última comedia de Harold Lloyd, El pecado de Harold Diddlebock (The Sin of Harold Diddlebock, 1947), sin demasiada fortuna y que posteriormente sería re-montada por Hughes y re-titulada como Mad Wednesday, dirigiría algunas películas más que fueron un fracaso comercial y de crítica y se dedicaría a escribir para el teatro hasta su muerte en 1959.

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Preston Sturges tiene una magnífica página oficial con muchos datos acerca de su vida y su filmografía y también he encontrado un artículo bastante interesante en Senses of Cinema.

Fuentes documentales utilizadas:

The Movie Director Story. Joel W. Finler. Ed. Optopus Books.
Comedia. Humor y Sátira en el Cine. Juan Campos. Ed. La Máscara.
La comedia clásica norteamericana. Guillermo Balmori. Ediciones JC.
Historia Universal del Cine. Editorial Planeta.
Diccionario Espasa de Cine. Augusto M. Torres. Espasa.

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Las esfinges de Leonor y sus enigmas.

3 septiembre 2009 at 22:00 (Erotismo, Ilustración, Literatura, Mitología, Pintura, Teatro)

Las esfinges en el mundo antiguo eran demonios magníficos con rostro de mujer y cuerpo de león y alas de ave. Demonios portadores de destrucción y mala suerte.

Una de estas esfinges, se instaló a las afueras de la ciudad griega de Tebas y se dedicó a asolar la campiña y a matar a todo bicho viviente que se encontraba a su paso y que no fuera capaz de resolver sus enigmas.

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Esfinge en el museo de Kerameikos en Atenas. (JAO-2009)

El enigma que la esfinge cantaba cruelmente, según Aristófanes era este:  “Existe sobre la tierra un ser bípedo y cuadrúpedo, que tiene sólo una voz, y es también trípode. Es el único que cambia su aspecto de cuantos seres se mueven por tierra, aire o mar. Pero, cuando anda apoyado en más pies, entonces la movilidad de sus miembros es mucho más débil”.

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Muchos murieron estrangulados por la esfinge al intentar resolver este enigma y fallar, y fue Edipo el que la respondió de este modo: “Escucha, aun cuando no quieras, Musa de mal agüero de los muertos, mi voz, que es el fin de tu locura. Te has referido al hombre, que cuando se arrastra por tierra, al principio, nace del vientre de la madre como indefenso cuadrúpedo y, al ser viejo, apoya su bastón como un tercer pie, cargando el cuello doblado por la vejez”.

Al escuchar esta respuesta, la esfinge se arrojó por el acantilado y murió. Otros dicen que fue arrojada al acantilado por Edipo.

Ella es magnífica, perturbadora, enigmática, terrible y apasionada, como la esfinge que Edipo venció o como cualquier otra esfinge demoníaca, pero no porta destrucción sino todo lo contrario.

Ella es Leonor Fini; pintora surrealista, ilustradora de libros, diseñadora de teatro, escritora, artista.

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Leonor Fini nació en Argentina en 1907, de madre italiana y padre argentino de descendientes también italianos.  A la edad de un año su madre se separó abruptamente y se la llevó con ella a Trieste.  Durante los siguientes seis o siete años de su vida, cuando salía a la calle, lo hacía disfrazada de niño para evitar que los esbirros mandados por su abandonado padre la secuestrasen.

Se crió en los salones de la convulsa Europa de entreguerras donde ya demostró su precocidad a la vez que una increíble fuerza de voluntad y una intensa sensibilidad.

Fue una artista autodidacta que creció a la sombra de la rica biblioteca de su tío, en la que descubrió a Aubrey Beardsley, Gustav Klimt y el universo de los prerrafaelistas, además de leer a Baudelaire y empaparse de los trabajos de Freud y de su mundo psicoanalítico cuando tenía 16 años.

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Descubrió su pasión por el arte gracias a estas lecturas. Las visitas a los museos y a la morgue en Trieste para aprender anatomía a base de estudiar cadáveres, acrecentaron su intensa curiosidad y comenzó a relacionarse en los círculos artísticos y literarios de Trieste donde fue forjando su gusto por los espacios con referencias ensoñadoras que tan bien encajarían en el movimiento surrealista.

Tras sus primeros años en Trieste, en el año 1933, Leonor se traslada a la capital mundial de la cultura en esos tiempos, París.  A comienzos de su estancia en la ciudad del Sena, se hizo amiga íntima de Giorgio De Chirico que la introdujo en su círculo y donde entabló amistad con artistas tan representativos del Surrealismo como el poeta Paul Eluard o los pintores Max Ernst, René Magritte o Víctor Brauner.  Estos pintores se sintieron atraídos por lo que llamaron un “abismo tenebroso” que se reflejaba en la obra de Leonor. Esto sirvió para que en 1935 realizase Leonor su primera exposición individual.

Durante un viaje en coche a través de Italia, cimentó también su amistad con Henri Cartier-Bresson y con André Pierre Mandiargues. (en una subasta de 2007, una fotografía de Fini, desnuda en una piscina, con el pubis rasurado, realizada por Cartier-Bresson durante este viaje, establecería un récord mundial al venderse por 300 mil dólares).

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Julian Levy, marchante de arte que fue responsable de introducir a los surrealistas en los Estados Unidos,  se convirtió en su distribuidor estadounidense y presentó por primera vez la obra de Leonor en su galería de Madison Avenue en una exposición conjunta con con Max Ernst en 1936 y facilitó su participación en la exposición “Fantastic Art: Dada Surrealism” sobre el dadaísmo y el surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Aparte de su amistad con Pablo Picasso, Salvador Dali, Eugène Ionesco, Georges Hugnet, Georges Bataille, Max Ernst, Paul Éluard,  y  Giorgio de Chirico fue una voluptuosa libertina y facilitó algunos de los materiales para la novela de  Pauline RéageStory of O“.

También colaboró en el diseño de figurines, vestuario y escenografía en múltiples obras de teatro. Diseñó para el George Balanchine BalletEl Palacio de Cristal” en la Opera de Paris en 1945. Trabajó para la Comedie Francaise con la compañía de Jean-Louis Barrault y en La Scala Opera House de Milán. En 1949, creó para Julien Gracq el vestuario de “El Rey pescador” y también trabajó para la escena con Giorgio Strehler y Jorge Lavelli. En 1969, realizó el diseño de El Balcón de Jean Genet y de varias obras de Jean Anouilh.


Realizó ilustraciones de “Las flores del mal” de Baudelaire, “Aurélia Gerard” de Nerval, “La Tempestad” de Shakespeare, “Julieta” del Marqués de Sade y de textos de Edgar Allan Poe.

También fue diseñadora de vestuario en la película que John Huston realizó en el año 1969,  “A Walk With Love and Death”  titulada en España como “Paseo por el amor y la muerte” y donde debutaría como actriz Angelica Huston.

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Leonor Fini siempre fue a su rollo, de forma independiente, y no se sintió nunca como la musa surrealista tal y como André Breton en ocasiones manifestaba. Ella se hizo un nombre por sí misma a fuerza de puro talento y gracias a una fuerte personalidad que la motivaba  a “no comportarse” de forma normal y sí siguiendo su espíritu independiente  natural.   A este respecto manifestaba: “…Nunca soporté el dogmatismo ni la inquisición que el grupo ponía en práctica. Mi concepción de la pintura fue siempre radicalmente contraria a la idea surrealista y al puritanismo de Breton”.

Vivio rodeada de una treintena de gatos y durante 40 años mantuvo una relación menage-a-trois con el diplomático y pintor  Stanislao Lepri y con el poeta y autor de varios ensayos sobre su obra, Constanine Jelenski.

No es extraño que los gatos fueran uno de los temas más recurrentes en sus cuadros, así como las máscaras, los esqueletos, los cráneos o las esfinges.

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Se ha escrito mucho sobre Leonor Fini, se la ha fotografiado, pintado y es una mujer que conoció a la mayoría de los grandes artistas y talentos que pasaron por París durante los años 40 y 50 y que ha influido en la mayoría de los pintores figurativos del siglo XX.

Klaus Mann, Dino Buzzati, Edmond Jaloux, Victor Brauner, Giorgio de Chirico y Marcel Brion, entre otros, escribieron sobre Fini.   Según  Jean Cocteau Leonor Fini es una artistade raíces enigmáticas y trágicas” y  Alberto Moravia decía que Fini es una pintora “emparentada con los escritores siniestros”.   Ella le confió al crítico uruguayo Emir Rodríguez Monegal: Puede decirse que en mis cuadros hay una atmósfera baudeleriana”.

A veces se pregunta a las esfinges de Leonor acerca del estilo pictórico al que pertenece, o qué otros pintores se pueden compara con ella, o si es una pintora, una ilustradora o una diseñadora, o si era una feminista, o una mística, o una mujer voluptuosaTodas las preguntas son superfluas y solo tienen una respuesta: Ella es Leonor Fini.

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Direcciones Web de Interés:

Leonor Fini en la CFN Gallery.

La Galerie Minsky. Leonor Fini Permanent Exhibition.

Leonor Fini at Weinstein Gallery.

Ten Dreams Gallery. Leonor Fini.

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¡Piezas de a Ocho! (VI)

29 agosto 2009 at 22:00 (¡Piezas de a Ocho!, Cine, Guadalajara, Ilustración, Literatura, Música, Naturaleza, Teatro, Terror)

Una conversación que mantuve el otro día en el Metrópolis Café de Guadalajara con mi amigo Toño, dueño del también muy recomendable bar-pub de la misma localidad, Chinaski, nos trae la Primera Pieza de a Ocho del día de hoy.

Comentábamos aquel día, que él había notado que cuando había Luna Llena la gente era más borde, más macarra, más pesada y más agresiva.  Acabamos dirimiendo que los influjos de nuestro satélite, cuando estaba en su plenilunio, afectaban de forma más que tangible a los seres humanos y para ello contábamos con las declaraciones y encuestas a numerosos dueños y camareros de garitos que así lo testificaban.

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Si alguien tiene duda de esto, que se lo pregunten sin ir más lejos a Benicio del Toro. En el blog de mi amigo Carlos, Mis Obsesiones… podéis ver como le influye a este pedazo de actor el plenilunio en la muy prometedora película de Universal Pictures , actualmente en fase de post-producción y que se estrenará en Febrero de 2010.

El trailer que ha incluido Carlos en su entrada es una verdadera maravilla.

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También en Guadalajara, y para este mes de Septiembre que entra, se prepara esta divertida Segunda  Pieza de a Ocho. La tercera edición del Festival Internacional Titiriguada, se celebrará del 17 al 20 de Septiembre en los jardines del Palacio del Infantado.

Hay 8 países invitados: Perú, Chile, Hungría, Reino Unido, Italia, Francia, Rumanía y España que aportarán a 13 compañías invitadas: 9 internacionales y 4 nacionales y que desarrollarán en 38 espectáculos programados toda la magia del teatro.

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También se abrirá un Mercadillo de artesanos del títere, se celebrarán varios talleres callejeros, conciertos itinerantes de música folclórica internacional y los espectáculos de títeres y de teatro en los jardines del Palacio.

“Los títeres nunca han sido únicamente para niños. Los títeres son también para niños”.

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La Tercera Pieza de a Ocho de hoy es meteorológica, pero no está relacionada con el calor ¡Menos mal!  Y tiene un halo de misterio que directamente enlaza con los misteriosos efluvios lunáticos.

Recientemente leí un artículo de Germán Fernández Sánchez, Doctor en Ciencias Físicas, acerca del rayo globular que me pareció muy interesante y que os extracto a continuación.

Un rayo globular, también llamado centella, rayo en bola o esfera luminosa, es uno de los fenómenos meteorológicos más raros y misteriosos que existen. Debido a esa rareza y a la variedad de sus manifestaciones, hasta hace poco se consideraba un mito, al mismo nivel que los fantasmas y los platillos volantes.

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Un rayo globular es un objeto luminoso que se mantiene flotando en el aire durante varios segundos. Su forma es más o menos esférica y a veces da la impresión de estar hueco. Generalmente suele ser de color blanco, amarillo o naranja, pero también puede ser azul, verde o incluso negro. Puede emitir chispas y pequeños rayos y su luminosidad media equivale a la de una bombilla de 100 vatios.

Hay rayos globulares silenciosos, pero a menudo emiten un sonido crepitante o sibilante o un zumbido. Al parecer se trata de un efecto electromagnético y suele estar asociado a las tormentas eléctricas.  Tras su desplazamiento aleatorio zigzagueante, suelen desaparecer disipándose simplemente o bruscamente con una estruendosa explosión que puede causar daños materiales e incluso víctimas.

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Hoy en día, aunque se dispone de los relatos de miles de testigos oculares y aparentemente existen algunas fotos y vídeos del fenómeno, su naturaleza sigue siendo desconocida.

Para saber más acerca de este curioso y misterioso fenómeno y de muchos otros fenómenos científicos, podéis visitar este magnífico blog de Ciencia y Tecnología: El Neutrino.

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Esta cuarta Pieza de a Ocho también brilla, pero su brillo es negativo y es una verdadera lacra para la humanidad y para el planeta Tierra.

De nuevo el blog de Carlos Roda, Mis Obsesiones… recogía los últimos datos facilitados por WWF/Adena sobre los incendios forestales que convierten este año 2009 en el peor de la década en cuanto a incendios forestales.

También leí hace poco en otro blog amigo de Guadalajara, Mientras el Viento sople, el relato de un incendio en el pueblo de Membrillera, y que dejaba patente el drama que suponen los incendios para las zonas y habitantes afectados y como es lógico para la salud global del planeta.

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Un problema que debe preocuparnos y por el que merece la pena luchar y denunciar de paso la sobreexplotación de algunos de los pulmones de la tierra que de desaparecer, dejarán a nuestro planeta en una situación desastrosa irreversible.

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Quinta pieza de a Ocho múltiple y musical.  Para endulzar los peligrosos misterios de la naturaleza y para olvidar por un momento las lacras humanas más atroces, lo mejor es cantarle a sentimientos humanos, el amor y el desamor. ¿hay algo más estúpidamente humano que estos sentimientos universales?

El pasado 29 de Julio, actuó en Madrid el mítico octogenario Burt Bacharach.

Este magnífico compositor con tres Oscar a sus espaldas, sigue en la brecha de la música, y aparte de sus colaboraciones con Elvis Costello (1998) y otros discos jazz de renombre no hace muchos años, el pasado año 2008, regresó al mercado discográfico con Live at the Sydney Opera House, grabado durante su actuación con la Orquesta Sinfónica de Sydney.

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Este estadounidense nos ha deleitado con innumerables éxitos entre los años 50 y los 80, componiendo melodías inolvidables en muchas ocasiones con letras de Hal David, que popularizaron míticas figuras del Pop como Dionne Warwick, The Beatles, The CarpentersBarbra Streisand, Aretha Franklin, Tom Jones, Dusty Springfield, y otros.

Aquí van algunas piezas enjoyadas sacadas del baúl del tesoro.

Dionne Warwick  interpretando la magnífica Walk on By”.

Tom Jones – What’s New Pussycat

El Tigre de Gales y esta magnífica composición que daría también nombre a la película  donde se estrenaría Woody Allen como actor y a la que Bacharach pondría la banda sonora.

Tema de la película: Butch Cassidy and the Sundance Kid.

Raindrops Keep Fallin’ on My Head” escrita por Burt Bacharach y con letra de Hal David, para la película aquí titulada como “Dos hombres y un destino.

Esta película de George Roy Hill reportó dos oscar a Burt Bacharach: Mejor canción original y Mejor banda sonora original.

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Algunas recomendaciones agradables, dulces y tranquilas forman el tesoro que se comparte en esta Sexta Pieza de a Ocho.

En el blog Blogodisea, hace tiempo que Andrés nos ilustró con unas fotografías de tartas que despiertan al goloso que todos llevamos dentro.   En su entrada Tartas y pasteles originales podemos encontrar monumentos dulces que aunque da pena devorar, son irresistibles.

Tartas en forma de neumático, zapatilla de deporte, hamburguesa, champiñón gigante o ruleta.  Originalidad y calorías para las ocasiones especiales.

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Liberarse del malestar a través de la meditación y basándose en el budismo y su filosofía vital, es lo que nos propone mi amigo Paco en su blog distensión progresiva desde el que nos invita a que aprendamos a meditar y desgrana en diversos artículos métodos y reflexiones para relajar la mente y el cuerpo y llegar así al conocimiento y a la paz interior y también llegar a la paz con el mundo que nos rodea.

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Imagen de Buda en Bagan, Myammar. (JAO-2004)

Un blog que descubrí un día por casualidad y que me tiene fascinado es el delicado “El Baúl que no tenía mi aBuela”  de KlimtBalanS.

Recoge este blog ilustraciones de cuento, de diferentes artistas nacionales e internacionales, que son una delicia.  Imágenes de cuentos e historias  llenas de color y de originalidad, con estilos y técnicas muy diversas.

Este Baúl nos descubre tesoros de artistas que de verdad merecen la pena.

telescopio

Hace tiempo, cuando buscaba información para una entrada que dediqué al personaje de  Alicia, di con la página oficial de Tim Burton, que estaba entonces aún en construcción y que ahora podéis ver ya acabada.

Me encanta el diseño de esta página, la música que la acompaña, la forma de moverse por ella y las ilustraciones originales de Tim Burton que decoran las paredes de la casa.

comingsoon

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Y cerramos el baúl de Piezas de a Ocho con una Séptima Pieza en forma de canción mítica de un grupo también mítico.

Hoy le toca a Free y a su “All Right Now”  en un vídeo de allá de finales de los 60.

Whoa-oh-oh-oh-woha
There she stood in the street
smilin’ from her head to her feet;
I said, “Hey, what is this?
Now maybe, baby,
maybe she’s in need of a kiss.”
I said, “Hey, what’s your name?
Maybe we can see things the same.
“Now don’t you wait, or hesitate.
Let’s move before they raise the parking rate.”
All right now, baby, it’s a-all right now.
All right now, baby, it’s a-all right now.
(Let me tell you now)
I took her home to my place,
Watchin’ every move on her face;
She said, “Look, what’s your game?
Are you tryin’ to put me to shame?”
I said “Slow, don’t go so fast, don’t you think that love can last?”
She said, “Love, Lord above,
now you’re tryin’ to trick me in love.”
All right now, baby, it’s a-all right now.
All right now, baby, it’s a-all right now

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