Instantáneas poéticas por Julia Margaret Cameron.
Los pintores, poetas y críticos que en 1848 formaron en Inglaterra la Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelite Brotherhood) influyeron de forma notable en la pintura inglesa hasta bien entrado el siglo XX.
Estos artistas pretendían desarrollar los lazos entre la poesía romántica y el arte. Para ello rompieron con el aburrido academicismo imperante y se propusieron evocar a los pintores antiguos del Renacimiento.
Muchos de estos artistas veían con cierta desconfianza una nueva forma, que se estaba perfeccionando en aquella época, de plasmar la realidad y la autenticidad del momento y de la naturaleza en un lienzo. En este caso el lienzo consistía en una placa, un soporte metálico o un negativo, y la nueva forma de representar la realidad se llamaba fotografía.
Una de las más importantes figuras en la historia de esta nueva forma de representar la realidad mediante la fotografía es Julia Margaret Cameron (1815-1879), fotógrafa pionera y muy influenciada por el estilo pictórico prerrafaelita.
Desde que cayera en sus manos su primera cámara a la edad de 48 años, abrazó el arte fotográfico con una pasión que rallaba en la obsesión. Tras realizar sus primeras fotografías, escribió a su amigo Sir John Herschel confesándole sus ambiciones artísticas que pretendían ennoblecer la Fotografía y elevarla a la categoría de arte, utilizando para ello una combinación de lo real y lo ideal, representando principalmente La Verdad y haciendo de esta forma de expresión un puente para enlazar con la poesía y la belleza.
Se esforzó por expresar ideales bíblicos y literarios como la inocencia, la sabiduría, la piedad, o la pasión y para ello retrató idealizados y disfrazados a familiares y amigos. En sus retratos buscaba una expresión poética que servía finalmente para crear personajes y sensaciones.
Deseaba mostrar el alma de sus personajes y si para ello era necesario sacarlos fuera de foco o se requería romper con el realismo fotográfico y acercarse a las imágenes pictóricas, así lo hacía.
Mientras ella y su familia vivían en Inglaterra, fue influenciada por muchas personas de gran renombre en el mundo del arte y la literatura, como Lloyd Alfred Tennyson, William Holman Hunt, Dante Rossetti, Henry Taylor y otros. Entre sus mentores, muchas veces convertidos también en modelos, podemos encontrar también a grandes personajes de la Inglaterra Victoriana como el propio Tennyson, Herschel, Darwin, Ruskin, Carlyle.
Al observar las fotografías de Cameron, que se basan en poemas y leyendas (como las que tratan sobre el mito artúrico), uno puede comprobar la conexión con el arte prerrafaelita tanto en el estilo como en sus temáticas. La fotógrafa se expresaba con su obra como un verdadero prerrafaelista, con una obsesión por recrear sólo fotografías veraces sobre la base de sus propias interpretaciones.
Son muy destacables sus series fotográficas ilustrando el libro de poemas de su buen amigo Alfred Lloyd Tennyson, Idylls of the King, sobre la corte del rey Arturo y sus caballeros, su casamiento con la reina Ginebra y su aventura con Lancelot, Merlín y Nimue, temas que serían profusamente tratados también por los prerrafaelitas.
Fue más admirada por pintores y artistas que por fotógrafos, ya que éstos consideraban que su calidad era menor dado que no aprovechaba ventajas técnicas de la cámara como la nitidez. Ella daba más importancia a la estética que a la técnica.
En los siguientes enlaces se pueden encontrar muchos datos acerca de la vida y la obra y muchas de las fotografías de esta gran pionera y artista: Julia Margaret Cameron.
Julia Margaret Cameron en el Museo Getty.
Una lista de todos los museos y galerías de arte con obras de Julia Margaret Cameron.
Una biografía de la artista y algunas imágenes que no se muestran aquí.
The home of the celebrated Victorian photographer Julia Margaret Cameron.
George Eastman House- Julia Margaret Cameron.
National Gallery of Victoria on Russell. Melbourne.
Science & Society Picture Library. Julia Margaret Cameron
Panorámicas IV – Grecia Peninsular.
Delfos (Delphi) era la morada de Apolo y el ombligo de la tierra para los antiguos griegos. Mundialmente famoso por su oráculo, en el oráculo de Delfos, los adivinos podían oír las palabras del dios Apolo en boca de una sacerdotisa, o pitia.
Los que formulaban preguntas debían pagar una tasa llamada pelanos y tras emitir sus interrogantes y pagar, sacrificaban un animal en el altar. El sacerdote que recogía las preguntas, las formulaba posteriormente a la pitia, que contestaba en un estado de trance producido muy posiblemente por las emanaciones de vapor alucinógeno que surgían de una grieta bajo el trípode donde la pitia se sentaba. Las ininteligibles palabras de la pitia eran trasladadas y traducidas por los sacerdotes, llamados profetas, y normalmente eran unas respuestas bastante ambiguas que favorecían múltiples, y a veces enfrentadas, interpretaciones.
Como centro del oráculo, Delfos era un lugar muy concurrido y se alzaban alrededor del oráculo múltiples templos y salas llenas de tesoros que las ciudades estado erigían a los dioses. Además, había en Delfos un teatro con un aforo para 5.000 personas y un estadio para 7.000 espectadores, donde se celebraban los Juegos Píticos, que después de los Juegos Olímpicos, eran los más importantes dentro del calendario griego y festejaban la mítica derrota del dragón Pitón, hijo de Gea, a manos de Apolo.
El estadio de Delfos, vio como los atletas de las diferentes y rivales ciudades estado fortalecían los lazos étnicos y como el ganador recibía la corona de laurel y el derecho a que su estatua estuviera presente en el santuario de Apolo.
Es uno de los mejor conservados del país, y aquí podéis verlo en toda su magnitud.
De todos es conocida la afición de los griegos por el teatro, como espectáculo de masas. La tragedia griega que narraba episodios épicos y mitológicos, la comedia, introducida posteriormente, los coros, las máscaras y todo lo que había alrrededor de este espectáculo, requerían de teatros como el de Delfos o como el de Epidauro, con una capacidad para 13.000 espectadores.
El santuario de Epidauro era un centro terapéutico y religioso dedicado al dios sanador Asclepio, al que se le representa con un bastón y flanqueado por una serpiente y un perro, símbolos de la sabiduría natural.
Era famoso también Epidauro por su majestuoso teatro, diseñado por Policleto el Joven y que consiguio hacer más famoso a este teatro al dotarle de una acústica casi perfecta.
Su remota ubicación ha permitido que no fuera saqueado y reutilizados sus materiales, por lo que se puede contemplar en la actualidad en muy buenas condiciones y es posible disfrutar también de festivales de teatro clásico que se representan en su Skene y en su Orquesta circular de 20 metros de diámetro, única que se conserva de la antigüedad.
Las torres naturales de caliza de Meteora, fueron utilizadas por primera vez muchos años después de que los complejos de Delfos y Epidauro hubieran dejado de usarse para hablar con los dioses del Olimpo a causa del cristianismo.
Retiro espiritual de ermitaños desde el año 985, en Meteora, a lo largo de los años, fueron fundándose monasterios en los altos e inaccesibles pináculos hasta llegar a erigirse, en las cimas de estas rocas y asomados peligrosamente a los acantilados, un total de 23 monasterios.
Debido a la precariedad de sus imposibles emplazamientos, muchos de ellos quedaron reducidos a ruinas, aunque en la actualidad, un renacer religioso ha atraído a muchos monjes y monjas a la media docena de monasterios que aún existen y que son visita obligada por estos parajes.
En estos monasterios abundan desgarradores e impresionantes frescos de la vida de Jesús y de los sanguinarios martirios de los santos y los iconos que en ellos se pintaban son uno de los bagajes culturales y artísticos más importantes de la vertiente ortodoxa de la cristiandad.
Pero antes de que los monjes representasen en luminosos iconos los estáticos rostros de Jesús Y la Virgen o a los santos y la mística asociada, los relieves de los sarcófagos griegos de la antigüedad también habían representado a sus dioses y a las almas de los mortales en el viaje al seno de la tierra de los dioses en el más allá.
No solo se representan temáticas bélicas o sobre la vida de los dioses y de los héroes; En múltiples ocasiones estos relieves funerarios y votivos representan escenas de la vida cotidiana, banquetes, deportistas en el gimnasio, atletas compitiendo, o escenas de peligrosas cacerías, como la aquí mostrada, donde unos cuantos cazadores desnudos, armados incluso con garrotes, se enfrentan a un jabalí salvaje que les hace pasar unos momentos difíciles.
O incluso enfrentamientos entre animales domésticos, a modo de combate deportivo y donde no se sabe bien quién está detrás de las apuestas, si el amante dueño de la mascota, o el celoso entrenador profesional del animal.
El engalanado paisaje, natural o pétreo, de Grecia y de su milenaria cultura está en esta tierra a la vuelta de la esquina, entre los polvorientos adoquines de sus calles, en sus montañas y ríos, en sus mares y en sus gentes… Y es imposible no acabar trasportando la imaginación a los tiempos de Sócrates, de Alejandro Magno o de las Ninfas tras el simple contacto visual de sus escenas.
Decadentes de Guadalajara.
La decadencia en Guadalajara no es nueva.
Y digo que no es nueva, y a lo mejor alguno se piensa que no ha visto que GU sea decadente.
Pero es una falacia. Guadalajara es una ciudad decadente, bastante decadente.
Recuerdo que hace años que GU me resulta decadente.
Un pueblo grande, con sus decadencias y sus personajes decadentes.
Una vez hubo un grupo que así se llamaba, Los Decadentes, y eran de GU.
Eran unos tíos jóvenes con ganas de pasarlo bien y si se pusieron ese nombre era por algo.
Habían experimentado la decadencia en propias carnes, en sus juergas nocturnas, y en sus vidas.
Y cantaban a la decadencia de Guadalajara con un vigor parecido a The Clash y a grupos similares de aquella época.
Decadencia en los bares y con la gente que en aquel entonces salía de marcha.
Antes eran pocos los decadentes que hacían esto, ahora son ciento…
Y todos decadentes, cantamos a la vida decadente que nos toca sobrellevar.
Pero no estéis tristes, aún no han llegado los bárbaros que nos desenmascaren.
Aún no…
Dedicado a Pablo y a los demás Decadentes.
El cómic es arte por Fernando Fernández.
Aunque Fernando Fernández se dedica plenamente a la pintura desde hace 20 años, nos ha dejado obras inmortales en el mundo del cómic. Ahora la editorial Glénat está reeditando y descubriendo el arte historietista de este barcelonés a las generaciones más jóvenes.
Su obra pictórica es muy apreciada en las colecciones de medio mundo y ha realizado más de 100 exposiciones en España y el extranjero, siendo muy considerado como retratista, técnica que domina a la perfección gracias a sus envidiables dotes para plasmar el cuerpo humano y su facilidad para representarlo de forma poética, como un himno onírico al color y a la composición.
Aparte de su amplio trabajo como dibujante de cómics de finales de los 50 y de los años 60 en historietas europeas como dibujante, portadista e ilustrador, donde no se le resistiría ningún género, en los años 70 iniciaría su colaboración con el mundo del cómic americano, a través de la realización de historias para las revistas Vampirella y Creepy del editor James Warren y portadas e ilustraciones para otras numerosas publicaciones de Estados Unidos.
A mediados de los 70, realizará “El Hombre de Cuba” (Cuba 1898) dentro de la serie “Un hombre, una aventura” para la editorial CEPIM de Italia donde destaca la fuerza de su lenguaje narrativo.
En 1975 realizará la colección “Ciencia y Aventura”, compuesta por varios libros juveniles didácticos y realizados para la editorial AFHA de Barcelona, por encargo de los Laboratorios CIBA.
Dentro de esta colección tenemos títulos como “Los invasores del cuerpo humano”, “Viaje al mundo secreto de los Insectos”, “Viaje a la prehistoria”, donde Fernando Fernández comienza a aplicar la técnica pictórica, mezclando lápiz, óleo, plumilla y aerógrafo para conseguir unos libros deliciosos, atesorados hoy como joyas por los que tienen la suerte de poseer alguna de sus ediciones.
A finales de los 70 crearía la magistral obra “Zora y los Hibernautas”, historia de ciencia ficción repleta de referencias a su Barcelona natal y plagada de mosaicos oníricos y psicodélicos con un diseño de viñetas simplemente espectacular, donde aplica las técnicas pictóricas, ya utilizadas en obras anteriores, para conseguir unas gamas de color insuperable que da un más que perfecto marco al desarrollo de la historia y a su lenguaje narrativo.
Respecto a esta sugerente y admirable obra, con la que la bella figura femenina de Zora se graba en nuestro inconsciente para introducirse posteriormente en nuestros más placenteros sueños, baste apuntar lo que Federico Fellini (recordemos las colaboraciones en el mundo del cómic de Fellini y Manara, colega italiano de Fernández) manifestó en el número de Agosto de 1985 de la revista Panorama:
“…Siento gran admiración por la creatividad arabesca y onírica de FERNANDO FERNANDEZ en ZORA.”.
Tras esta indudable consagración gráfica, Fernando Fernández abordará uno de los retos más complicados en toda su carrera de dibujante de cómic: recrear con su estilo y técnica la más famosa pesadilla tardo romántica. Drácula aparecerá por primera vez en la revista Creepy, en los números 36 a 48, de junio de 1982 a junio de 1983 y posiblemente sea una de las adaptaciones del libro de Bram Stoker más elaboradas y de mayor calidad gráfica hasta la fecha.
«-¿Qué ha supuesto para ti el desafío más grande en esta adaptación de Drácula?
-… Hacer una adaptación que no sea una más. Puedo no acertar pero si le dedico más de un año de duro trabajo, ES QUE AL MENOS LO INTENTO HONESTAMENTE.»
Posteriormente a esta obra maestra, Fernández realizará en colaboración con el guionista Carlos Trillo otra obra de técnica parecida y de una calidad pictórica también muy destacable titulada La “Leyenda de las Cuatro Sombras” y que basándose en elementos clásicos de las leyendas medievales, nos permite disfrutar de una historia fantástica para la que Fernando Fernández elabora unos excelentes dibujos y unas composiciones y encuadres de viñetas que son un placer contemplar.
Todas estas obras recibieron el reconocimiento internacional y numerosos premios nacionales e internacionales y han sido recientemente reeditadas por Glénat.
Hasta el comienzo de su fecunda etapa pictórica, realizará adaptaciones de cuentos y de novelas de Isaac Asimov así como otras historias cortas de Ciencia Ficción tanto en blanco y negro como en color.
Los siguientes enlaces son fuentes de información muy valiosas sobre este maestro español de la pintura que comenzó en el mundo del cómic y que dejó obras que ya han pasado a la historia del cómic como las obras de arte que son.
En primer lugar la página Web del artista donde podemos conocer mejor su obra y adquirir originales de sus obras.
La página que dedica tebeosfera a la biografía profesional de Fernando Fernández y a su obra es un repaso amplio y muy documentado de los trabajos de este divulgador para el mundo de la historieta.
Un análisis pormenorizado de la obra de Fernando Fernández y de su obra cumbre y más conseguida, Drácula.
Piezas de a Ocho (VIII).
Y llegamos al octavo piezas de a ocho en este Noviembre que marcará sin duda el inicio de un invierno inolvidable y el comienzo de muchos sueños, fantasías y realidades.
¡Ya son Ocho piezas de a Ocho! y estas son las primeras piezas de oro de este octavo lote, encontradas entre los restos resacosos y salados del último naufragio ocurrido en la noche de difuntos, en la pasada noche de Halloween.
Ya en Bretaña, Escocia e Irlanda, en la remota antigüedad, se festejaba la fiesta de Samhain el 31 de octubre, último día del año en los antiguos calendarios celtas. Para celebrarlo se encendían grandes hogueras en lo alto de las colinas para ahuyentar a los malos espíritus, y se creía que las almas de los muertos visitaban sus antiguas casas, acompañadas de brujas y de espíritus errantes.
Con la llegada del cristianismo, se estableció el primero de noviembre como Día de Todos los Santos, y el 31 de octubre pasó a llamarse en inglés “All Saints’ eve” (víspera del Día de Todos los Santos) o también “all Hallows’ eve” y, más recientemente, “Hallows’ eve”, de donde deriva halloween. Hallow es palabra del inglés antiguo que significa ‘santo‘ o ‘sagrado‘ y al igual que el vocablo holy, proviene del germánico khailag.
Muchas de las tradiciones de halloween se convirtieron en juegos infantiles que los inmigrantes irlandeses llevaron en el siglo XIX a los Estados Unidos, por lo que no es una influencia americana o una festividad yanqui la que se está extendiendo en las últimas décadas por el mundo hispánico, sino que es una festividad proveniente de la vieja y polvorienta Europa.
Muchos han sido los blogs y las páginas del universo que se han hecho eco de esta celebración pagana y voy a repasar algunas bellas entradas que algunos blogs amigos han dedicado a esta noche mágica.
En Las Mansiones de Nienna, podemos conocer la leyenda irlandesa de Jack el holgazán y pecador que engañó al mismísimo diablo y que vaga como alma en pena con su farol protegido en una calabaza y que dio nombre a las famosas calabazas de Halloween, “Jack-o-lantern“. Esta es una festividad que a Nienna le gusta mucho y a mi también.
Jenny desde su Mi Ventana, nos da un gratificante repaso por unas postales antiguas de Halloween y que nos muestran el carácter de festividad infantil de este día, en el que los niños pierden, o intentan perder, el miedo a los espíritus que vagan por la noche y que no se acercarán si ven una calabaza hueca iluminada en la noche.
Andrés en su BlogOdisea nos relata un episodio de terror no apto para niños, y es mejor que mientras lo escuchamos, los niños se queden jugando con las calabazas, porque no van a dormir esa noche si lo escuchan y soñarán con los vampiros que eligen Halloween para alimentarse mejor que otras noches.
Si queremos ver cómo pasan Halloween los japoneses, es obligada la visita al blog Fani en Japón, donde Fani nos va descubriendo día a día sus vivencias en ese país legendario. Al parecer los americanos han introducido esta festividad en este país tan diferente en las celebraciones, y en todo lo demás, de occidente.
Mi amigo Espinelli en su homónimo blog, nos propone una interesante encuesta para que votemos a la película que veríamos la noche de Halloween. El terror está servido, aunque hay algunas películas de las sugeridas que además de terroríficas resultan muy divertidas.
Un pagano como yo, mi amigo Pablo, El Empollón Integrista, nos propone una sugerente idea para convertir esta fiesta pagana, “satánica y oscura” según algunos eclesiásticos, en algo más acorde a nuestras raíces cristianas castellanas.
La propuesta y su cartel para dar a conocer nuestro propio Halloween patrio, son simplemente geniales.
Otro pagano más, mi también mundano amigo Carlos, nos facilita en sus Mis Obsesiones, unos fondos de pantalla con Halloween como temática. Algunos son impactantes y otros tal vez muy aterradores, pero desde luego están muy currados y seguro que a algunas hijas e hijos de la noche les gustará ambientar su ordenador con ellos.
Para finalizar esta primera pieza, 2 joyas imprescindibles para esta fiesta y para cualquier otra, en primer lugar la maravillosa, y ya recomendada en un pasado piezas de a ocho, página web de Tim Burton, que presentó algunas novedades en sus galerías y que serán recopiladas en un art-book de próxima aparición. Si hay un amante de Halloween, desde luego, ese es este querido cineasta.
La postal que os adjunto me llegó el mismo día de Halloween. ¡Me encanta!
La siguiente joya es una canción. The Dream Syndicate, nombre sugerente y muy fantasmagórico, cantaron a Halloween allá por los años 80. Había una grabación para el programa de TV La Edad de Oro, que se grabó en los estudios de la TVE y que tenía una calidad de imagen bastante buena, pero al parecer no la quieren compartir, así que aquí va la canción directamente. ¡Qué tiempos aquellos!
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Es Pop Ediciones, nos da la siguiente pieza de a ocho en forma de papel de oro y nos informa a través de su blog Cultura Impopular, de un nuevo libro en su catálogo. Se trata de la biografía Schulz, Carlitos y Snoopy, de David Michaelis y que recoge la historia del creador de la tira cómica Peanuts, del dibujante y el cerebro que hay detrás de Carlitos, de Snoopy y de todos los fascinantes y alocados niños de alrededor.
Hay un dosier de prensa muy amplio e interesante en el blog de la editorial acerca de este nuevo libro editado por Es Pop Ediciones y se pueden descargar junto a él algunos capítulos del libro de David Michaelis, que sinceramente promete ser muy interesante.
Charles M. Schulz, es el historietista más leído y querido de todos los tiempos, y sigue siendo, diez años después de su fallecimiento, una de las figuras más incomprendidas y a la vez influyentes de la cultura norteamericana.
Sin Carlitos y Snoopyno habría existido un Calvin y Hobbes, ni un Garfield, ni un Far Side, ni un Mutts, ni unos Simpson, ni un South Park, ni un Padre de familia…
Algunas reseñas de este libro dejan entrever lo que puede ser una lectura apasionante. Como muestra, la reseña realizada por Bill Watterson, creador de Calvin y Hobbes:
“En sus tebeos, Schulz fue capaz de exponer y afrontar sus tormentos interiores, haciendo de la inseguridad, el fracaso y el rechazo los temas centrales de su humor. A pesar de la gran influencia de Peanuts sobre mi obra, siempre me contenté con admirar a Charles Schulz de lejos, y como la mayoría de sus millones de lectores nunca llegué a conocerlo. David Michaelis ha realizado una extraordinaria labor de investigación y ha escrito una crónica perspicaz y absorbente. Este libro nos permite a todos conocer por fin a Charles Schulz.”
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Esta pieza de a ocho, la he sacado de un cofre de 12 llaves y 5 cadenas, del que ni siquiera el mejor escapista podría escapar o abrir y llevarse los tesoros que guarda.
El Escapismo es la práctica de escapar desde un encierro físico o de otras trampas. Los escapistas (también denominados «artistas del escape») son capaces de zafarse de esposas, de camisas de fuerza, jaulas, cadenas, cofres, cajas de acero, barriles, bolas de presidiario, edificios en llamas, tanques de agua y otros peligros, a menudo combinados.
Algunos trucos de los escapistas son logrados por medio de técnicas de ilusionismo y otros son actos genuinos de flexibilidad, fuerza y audacia.
Uno de los más famosos escapistas fue el ilusionista húngaro de origen judío Harry Houdini. Podéis encontrar una biografía bastante interesante de este genial mago en Microsiervos, en el artículo Harry Houdini: la vida del escapista, mago y azote de espiritistas.
En la actualidad, los efectos especiales, trucos ópticos, la propia televisión y las tecnologías al servicio de los showmans hacen del escapismo algo no tan arriesgado como cuando lo practicaba Houdini, pero no deja por ello de ser verdaderamente alucinante y todo un espectáculo. Baste el ejemplo siguiente del mago Hans Klok en un programa de la televisión alemana. ¡La magia del espectáculo!
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Una pieza de a Ocho que es un enjoyado recordatorio al crítico musical Paul Williams. En el Ruta 66 de Junio aparecía una reseña en el sumario, escrita por Ignacio Julià, que recordaba a este pionero de los críticos de rock.
Decía Paul Williams: “No es fácil ser crítico, la gente espera que le expliques las cosas. Eso está bien si no tienes ni idea… te inventas una explicación que parezca inteligente y te creen. Pero si entiendes un poema, o una canción, seguramente también comprenderás que lo estás destruyendo al intentar plasmarlo en un par de frases para que tu vecino sepa qué significa”.
Además de la revista que fundó Crawdaddy! y que ahora tiene su versión digital, Williams es autor de numerosos libros sobre filosofía pos-hippy, tratados sobre Bob Dylan, Beach Boys, Neil Young y otros muchos acerca de lo que estuvo enraizado en su vida y le dio el aliento en sus momentos más difíciles: El rock & roll.
Si queréis conocer mejor a este escritor rockero, podéis visitar su página Web, que no tiene desperdicio alguno.
Me quedo con una de sus frases que sentenció en 1967 y que además parece que fue una profecía:
“Very few people have the balls to talk about ‘rock and roll’ anymore.”(Nadie tiene ya cojones de hablar de rock’n’roll)
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Y la última pieza de a Ocho de hoy es valioso oro negro, en tinta negra. Y desde luego es todo un honor tener a semejantes tesoros rondando por el jergón.
Ediciones La Cúpula, con gran acierto, ha re-editado en un volumen bastante cuidado todo un clásico del cómic español: Fuga en la Modelo de Makoki.
Todo comienza con el viaje al moro del Niñato, el Emo y el Cuco y de sus aventuras para pasar costo a España y como al final acabarán con un perro San bernardo drogadicto en Madrid. El Emo acabará en la cárcel Modelo de Barcelona después de varias aventuras y desventuras plagadas de viñetas desternillantes, y sus colegas Makoki y Morgan prepararán su ruidosa fuga con la ayuda del Dotor Otto, su ayudante Josechu y el robot argentino Robesto.
Fuga en la Modelo es una de las obras más emblemáticas del cómic underground español de los años 80. Publicada inicialmente en forma serializada en la revista el Víbora, su éxito pronto hizo que se publicase recopilada en un álbum del cual se vendieron en su tiempo más de 20.000 ejemplares.
Fuga en la modelo fue un fenómeno social y era la lectura de cabecera de la hacinada cárcel barcelonesa en los años 80, donde la mayoría de los presos cumplían condena por delitos relacionados con el tráfico de drogas.
Esta obra cumbre de Miguel Gallardo y Juan Mediavilla, desde sus inicios en el Víbora en 1981, se vería reeditada a lo largo de los años 80, siendo la última edición la del 1989. Con esta edición de lujo de 2009 se da cumplimiento a una renovación que mi biblioteca pedía a gritos y que desde luego recomiendo sin duda.
Makoki fue un personaje que influyó en el cine de la época, en los músicos de la época y que en definitiva fue un fenómeno social que encajó bastante bien en la Movida.
Aquí, como despedida, la canción Makoki por el grupo Paraíso.
Letra de Makoki. Grupo Paraíso
Gira y gira la calle en tu cerebro dañado por el electroshock
y la acera se abre para que tu penetres dentro del colector
las tuberías son buenas banderas
de la bronca que te piensas montar.
«Estás algo nervioso -piensa aquel funcionario-
quizás te convenga descansar».
Y tú le arreas con la tubería
uno menos para la AISS,
y gritas a tu banda
«Voglio una tía»,
y marchas por la calle buscando
y la gente
se aparta de ti.
Una loca se ha encaprichado
por tu extraño tocado y recibe un calambrón
mientras los sucios polisías se aprestan en la corner:
tienen ganas de follón.
Tú les arreas con la tubería,
buenos contra malos: polices and thieves.
Tu banda pega, muerde, sacude y agita
y la caballería aun sin llegar.
Y las ratas del puerto, tan gozosas,
han empezado a canturrear:
«Makoki, Makoki, Makoki es cojonudo,
el enemigo público número uno».
El jergón de Long John Silver. 